Tapas e Beijos

Zane, Kidman e as duas faces da moeda

2012-01-15T17:50:00.000-08:00

Hoje assisti um dos primeiros filmes de Nicole Kidman, talvez o primeiro filme "de verdade" dela, o suspense Terror a Bordo.

Antes de Terror a Bordo Nicole vinha de trabalhos pouco relevantes no cinema e na televisão australiana - apesar de ter nascido em Honolulu, no Havaí, foi na Austrália que a estrela cresceu e começou a dar os primeiros passos na carreira de atriz. O filme foi a grande oportunidade dada a Nicole e certamente sem ele ela teria demorado um pouco mais para cair nas graças de Hollywood.

Nicole e Billy em cena: ela se tornou um dos maiores ícones de Hollywood e ele não se tornou nada

É certo que nos seus papéis deste época, Nicole não chegou a atingir um patamar de interpretação de fato impressionante. Mas nesses filmes que realizou no final dos 80 e início dos 90, já há indícios do talento ainda pouco lapidado da atriz. Talvez Terror a Bordo seja, de fato, o filme que melhor prova isso.

A história é um pouco manjada. Fazendo par com o quarentão Sam Neill, Nicole interpreta uma mulher que recentemente perdeu o filho em um grave acidente de carro e que vive os traumas posteriores à tragédia. Como forma de superar tudo, o marido, interpretado por Neill, os leva para uma travessia pelo mar em um iate. Certo dia, avistam ao longe uma embarcação e resgatam um sobrevivente, interpretado por Billy Zane. O que o casal não desconfia é que esse resgate desencadeará toda uma série de fatos terríveis a cada um deles, vez que, mais tarde, Zane se revelará um psicopata perigoso.

Tem algo mais manjado que isso? Não. E para completar, Neill acaba sendo deixado na embarcação de onde resgataram Zane, que está prestes a afundar. Sozinha com o psicopata, a personagem de Nicole precisa conquistá-lo, domá-lo e enganá-lo para, claro, poder resgatar o marido.

Mas garanto, mesmo assim o filme consegue ser muito divertido e prende a atenção. A direção é esperta, a trilha sonora dá todo o tom de mistério e desespero certo, mas mais que isso Nicole Kidman e Billy Zane mostram uma química bastante incomum em cena.

De fato, as cenas mais impressionantes de Terror a Bordo são aquelas em que os dois encontram-se juntos, num confronto implacável. Nicole, linda com um cabelo todo ruivo e cacheado, corre para um lado e para o outro, seja seduzindo, seja armando, seja colocando sonífero na bebida do psicopata, e já mostra sinais evidentes da atriz sem limites dramáticos que veríamos despontar anos mais tarde, em filmes como Um Sonho Sem Limites, As Horas, Reencarnação, A Pele e Dogville, só para citar alguns exemplos.

Zane, por sua vez, interpreta de forma bastante competente o psicopata bonitão e simpático. A depender do seu trabalho aqui, poderíamos pensar que, como Nicole, pudesse construir uma boa carreira ao longo dos anos - mas, infelizmente, no caso dele, ficou apenas na promessa mesmo. Tirando o papel principal em O Fantasma e uma aparição como coadjuvante em Titanic, Zane praticamente não teve mais nenhum papel relevante ao longo da carreira.

Billy Zane: lindo e em boa forma dramática. Pena que os próximos anos não corresponderam às expectativas

Nicole, que após o divórcio de Tom Cruise, atuou em uma série de filmes magistrais, construindo um dos nomes mais respeitados na área do cinema, e atuando tanto em produções hollywoodianos como em filmes alternativos, casou-se novamente, teve um filho e ultimamente vem realizando uma bomba atrás da outra, com raras exceções, como Margot e o Casamento e Reencontrando a Felicidade, filme pelo qual recebeu uma indicação ao Oscar no ano passado. Ainda assim, está longe dos limites dramáticos que esteve próxima no passado.

É de se pensar que Nicole é daquelas que não consegue conciliar de forma devida vida profissional e pessoal. Ao se separar de Cruise e enfrentar, talvez, uma espécie de crise, superou tudo atuando. Agora, casada novamente, parece que o cinema não é mais prioridade. Passa a imagem de alguém cansado, que de vez em quando se esforça um pouco, mas que no geral, deixa o avião no piloto automático. Realmente, uma pena.

Trilha Sonora #3

2012-01-13T03:17:00.000-08:00

Semana de muita chuva. Enquanto no exterior a trilha sonora são pingos d'água, no interior é Mercury Rev.

Mercury Rev, banda nova-iorquina. The Secret Migration é uma obra-prima dos anos 2000 - ou quase isso.

Mercury Rev - The Secret Migration

1. Secret For a Song

2. Across Yer Ocean

3. Diamonds

4. Black Forest

5. Vermillion

6. In The Wilderness

7. In a Funny Way

8. My Love

9. Moving On

10. The Climbing Rose

11. Arise

12. First Time Mother's Joy (Flying)

13. Down Poured The Heavens

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O lado B de Lygia Fagundes Telles em "Seminário dos Ratos"

2012-01-11T09:15:00.000-08:00

O interesse por literatura surgiu para mim meio que como uma espécie de fuga mesmo - um menino do interior, rodeado de gente comum, e que, por muitas vezes, não queria estar ali, no cenário que realmente estava, acabou encontrando na ficção da literatura brasileira um lugar para chamar de seu. Era uma forma de me distinguir dos meus amigos que tinham os interesses comuns que, de fato, não me interessavam, e também uma forma de preencher, mesmo que durante alguns momentos, um certo vazio existencial.

Lygia Fagundes Telles

O tempo passou - os próprios sentimentos mudaram. Eu me mudei de cidade, mudei de vida, deixei muitos amigos antigos para trás, mas a paixão pela literatura continuou. De forma mais discreta, é verdade - até porque no dia-a-dia que ando tendo, tal espécie de leitura tem se tornado mais escassa. A salvação tem sido as férias de verão/inverno e os livros de contos. E desta vez, minha análise recai sobre Seminário dos Ratos, de Lygia Fagundes Telles.

Lygia foi, junto com Clarice Lispector e Raquel de Queiroz, uma das autoras seminais na minha formação e uma das grandes responsáveis pelo meu interesse em mergulhar cada vez mais nas veredas da literatura brasileira. Me lembro que cheguei a ler durante muito tempo que a crítica chegou a considerar Lygia como uma "herdeira menor" de Clarice Lispector - consideração essa que eu nunca consegui concordar. Embora Lygia e Clarice tenham pontos em comum - como a predileção pela escrita e pela personalidade feminina e o forte adentramento psicológico de seus personagens - a forma com que cada uma tece seus textos me aparece como bastante distinta. Clarice é mais metafísica, seus romances e contos sublimam a um patamar diferente, onde o sentir acaba sendo mais forte que a narrativa em si; Lygia, por sua vez, tem os pés calcados no chão, por assim dizer, sua narrativa adentra a personagem, mas sempre através de situações e cenários bem mais concretos que aqueles criados por Clarice.

Lygia me apareceu através de Natal na Barca, conto que faz parte da compilação Antes do Baile Verde, inclusive premiada internacionalmente. Foi através deste conto e livro que me iniciei na escrita de Lygia, vagando depois por outros livros, Ciranda de Pedra, As Meninas, Venha Ver o Pôr-do-Sol, até chegar ao presente objeto de discussão, Seminário dos Ratos. Na verdade, eu comecei a ler esse livro ainda em 2007, antes mesmo de iniciar a faculdade, mas acabei deixando de lê-lo por completo devido ao tempo que tinha que dedicar a outros estudos, à época. Essa semana, uma súbita "saudade" - se é que esse é o termo adequado que eu poderia empregar - me abateu, e abrindo o armário, encontrei o Seminário dos Ratos e decidi terminar aquilo que já havia iniciado.

Seminário dos Ratos é um livro de contos lançado por Lygia em 1977 e nos mostra um lado um pouco diferente da escritora. Estão presentes ali a profundidade psicológica e a riqueza de detalhes na construção de cenários, mas outras características tão presentes na sua obra - como a preocupação com a personalidade feminina, em essência, e um certo "realismo de verdade" parecem se dissolver. De fato, Seminário dos Ratos se aproxima mais de uma espécie de "realismo fantástico" e talvez seja o mais próximo que a obra de Lygia poderia chegar daquilo que poderíamos chamar de "literatura do mal" - tanto que grande parte dos contos do livro tem em sua essência uma aura de "contos de terror".

Oitava edição de "Seminário dos Ratos", lançado pela Rocco em 1998.

Exemplo bastante evidente é As Formigas, conto de abertura, que narra o horror vivido por duas primas ao se depararem com formigas que podem reconstituir a ossada de um anão. Óbvio que o tema em si parece sinistro, mas mais sinistro ainda é a forma com a qual Lygia constrói o cenário onde a ação se passa (um quarto no sótão) e os próprios acontecimentos que se dão durante o desenrolar da história. Lygia sabe que, por vezes, mais do que o desfecho, o que mais nos assusta são os pequenos detalhes, como as formigas que só aparecem a partir de determinada hora da madrugada, o cheiro que precede a visita das mesmas - ou o próprio fato da ossada a ser montada é a de um anão. Interessante notar que uma das protagonistas tem um sonho com um anão - qualquer semelhança com David Lynch e Twin Peaks é realmente mera coincidência, mas evidencia a grande capacidade de Lygia de, à moda de Lynch, criar situações perturbadoras e incômodas.

Em outros contos como Tigrela, Herbarium e Noturno amarelo, o amor e a personalidade feminina se fazem presentes, acrescidos de uma alma de mistério que inebria e surpreende - são pequenas histórias que podem ser classificadas como "histórias de amor", mas em todas estão presentes elementos "sombrios" que as tornam intoxicantes, porque o amor ali não é idealizado, é o amor tal como ele é, cheio de suas deficiências e doenças infecciosas. Em Tigrela a figura do animal selvagem personificando um ser humano é tão brilhante quanto doentia. Sentimento parecido é dado ao leitor em Herbarium, onde o objeto de desejo e a verdade podem significar nada menos que a morte.

Seminário dos Ratos, o conto-título, nos mostra uma espécie de "futuro-apocalíptico", no qual, tal como nos filmes catástrofe, uma ameaça externa compromete a sociedade e os avanços alcançados por ela - ameaça essa que se reflete na figura dos ratos, que destroem tudo o que encontram pela frente, e conseguem se reunir em assembleia para deliberar, talvez, sobre os planos para a tomada de todo o país...

É justamente por isso que Seminário dos Ratos, o livro, me parece como um expositor do Lado B de Lygia - um lado que até então não era evidenciado. Esse lado no qual o ser humano e suas atitudes corriqueiras e diárias tomam contornos de filme de terror, assustando e amedrontando o leitor a cada uma de suas páginas. Seminário dos Ratos pode ser definido sim como uma coletânea de contos de terror. Talvez não terror no sentido ao qual estamos acostumados a lidar nos filmes americanos e nos livros de Stephen King, mas um terror que irradia das próprias entranhas do ser humano. Um terror que é próprio da existência de cada pessoa e das relações estabelecidas por ela com outras pessoas, também donas de seus próprios medos e irradiadoras de uma aura de terror peculiar. Tudo isso forma o ambiente que Lygia nos mostra em Seminário dos Ratos.

São contos como os presentes neste livro que fazem com que, sem sombra de dúvidas, possamos reconhecer Lygia como uma das maiores escritoras da língua portuguesa de todos os tempos. Mais contos e romances vieram para ela depois de Seminário dos Ratos, afinal, a autora permanece viva e atuante dentro da literatura. Lygia é uma mulher tão completa que vale conhecer seu lado A, lado B, e até mesmo o lado Z - qualquer um desses lados, no final das contas, vai nos levar a uma realidade jamais imaginada por cada um de nós - sombria e mortal, talvez, mas nem por isso menos impressionante.

Trilha Sonora #2

2012-01-05T14:00:00.000-08:00

Semana de mudança na Franca Imperatícia.

A trilha sonora que acompanha é Danny Elfman e a trilha original criada para os dois primeiros Batman, de Tim Burton.

Batman (1989)

1. The Batman Theme

2. Roof Fight

3. First Confrontation

4. Kitchen, Surgery, Face-Off

5. Flowers

6. Clown Attack

7. Batman to the Rescue

8. Roasted Dude

9. Photos/ Beautiful Dreamer

10. Descent Into Mystery

11. The Bat Cave

12. The Joker's Poem

13. Childhood Remembered

14. Love Theme

15. Charge Of The Batmobile

16. Attack Of The Batwing

17. Tp The Cathedral

18. Waltz To The Death

19. The Final Confrontation

20. Finale

21. Batman Theme Reprise

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Batman Returns (1992)

1. Birth Of a Penguin Part 1

2. Birth Of a Penguin Part 2

3. The Lair Part 1

4. The Lair Part 2

5. Selena Transforms Part 1

6. Selena Transforms Part 2

7. The Cemetery

8. Cat Suite

9. Batman vs. The Circus

10. The Rise and Fall From Grace Part 1

11. The Rise and Fall From Grace Part 2

12. Sore Spots

13. Rooftops

14. Wild Ride

15. The Children's Hour

16. The Final Confrontation Part 1

17. The Final Confrontation Part 2

18. The Finale Part 1

19. The Finale Part 2

20. End Credits

21. Face to Face (performed by Siouxie And The Banshees)

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Adeus 2011

2011-12-30T14:58:00.000-08:00

2011 está indo embora - ou seja, é hora de fazer aquela retrospectiva geral que culmina na lista de "mais melhores" do ano.

Segue os 5 melhores da música, cinema e literatura, em 2011.

Música

Gostei bem mais das novidades brasileiras que ouvi esse ano do que das internacionais, para ser bem sincero. Claro que tivemos coisas boas fora daqui, mas talvez eu mesmo tivesse de saco cheio para ouvir tudo. Daí distribui entre os cinco realmente melhores e outros que também são bons e merecem certo destaque.

Os 5 melhores de 2011

Lady Gaga "Born This Way"
Beyoncé "4"
Filipe Catto "Fôlego"
Gal Costa "Recanto"
Mariana Aydar "Cavaleiro Selvagem Aqui Te Sigo"

Menções Honrosas

Marisa Monte "O Que Você Quer Saber de Verdade"
Karina Buhr "Longe de Onde"
The Strokes "Angles"
Nicola Roberts "Cinderella Eyes"
Adele "21"
Coldplay "Mylo Xyloto"

Cinema

Fui pouco ao cinema e vi poucos dos grandes lançamentos de 2011, para ser bem sincero. Claro que assisti bons filmes no ano, mas como a maioria não era de 2011, acho que não vale a pena citar. Tipo, vi muito Hitchcock e outros filmes clássicos, mas é sacanagem colocar esse em listas de melhores do ano né? Daí fico com esses três, decerto os melhores que vi e realmente merecem ser recomendados.

Cisne Negro
Reencontrando a Felicidade
Poucas Cinzas
O Palhaço

Livros

Infelizmente, acho que não li nada de literatura em 2011. Meu tempo ficou bem mais apegado para ler livros teóricos para a faculdade e próprios de Direito. Mas li um livro do Ken Folett, O Buraco da Agulha, que é muito bom e que merece que você dê atenção. Também reli toda a série do Harry Potter, mas também não dá para colocar isso em lista de melhores do ano né?

E que em 2012 venha mais e melhor material para uma retrospectiva cultural do ano. Feliz Ano Novo, pessoal!

Trilha Sonora #1

2011-12-27T05:30:00.000-08:00

De férias na cidade de São Paulo e ao som de Tina Turner.

Break Every Rule (1986)

1. Typical Male
2. What You Get Is What You See
3. Two People
4. 'Till The Right Man Comes Along
5. Afterglow
6. Girls
7. Back Where You Started
8. Break Every Rule
9. Overnight Sensation
10. Paradise Is Here
11. I'll Be Your Thunder

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E a propósito

2011-12-25T15:59:00.000-08:00

Feliz Natal!

Simone e o Natal

2011-12-25T15:48:00.000-08:00

A baiana Simone Bittencourt de Oliveira completa hoje 62 anos de idade. Simone, que nasceu no dia de Natal, teve seu maior êxito em vendagens de disco justamente com um álbum que reúne dezenas de canções natalinas - entre elas a hoje insuportável "Então é Natal" - o 25 de Dezembro, lançado em 1995. O álbum vendeu mais de 1 milhão de cópias no Brasil, sendo que sua versão em espanhol vendeu mais de 2 milhões, e abriu um caminho então inexplorado pelos artistas nacionais, o dos álbuns natalinos.

O êxito entretanto teve um preço: hoje ninguém mais consegue pensar na cantora sem associá-la ao Natal e às odiadas canções de seu disco natalino. Simone, que por mais de uma década foi musa inestimável da MPB, viu-se perdendo o brilho anterior e praticamente não emplacou mais nenhum grande álbum depois de 25 de Dezembro, o que não importa em uma má qualidade do trabalho posterior, mas sim na marca negativa que o trabalho natalino deixou estampado na carreira da cantora.

Não sei o que Simone pensa sobre isso hoje - não sei se se arrepende de ter lançado o álbum e tudo o mais. Mas, de qualquer forma, se 25 de Dezembro é terrível, a cantora possui uma discografia oposta a esse trabalho, bastante diversificada, rica em ritmos e que demonstra seu poder de intérprete quando trabalhando com um bom repertório.

Durante o final dos 70, todos os 80 e até a metade dos 90, Simone tenha sido, talvez, a maior estrela da MPB nacional. Passou por fases variadas: o cult, o fino, as canções engajadas, as músicas de amor brega e adocicadas, a cantora de samba, e por aí vai. Dessa fase é que se encontram os seus melhores trabalhos, mais representativos de sua carreira, como os álbuns Cigarra, Pedaços, Amar, Sou Eu, Café Com Leite, por exemplo. Nesses anos, Simone encontrou os anos áureos com especiais anuais na Rede Globo, convites para os mais variados programas de TV, temporadas de shows lotadas e elogiadas, capas de revistas (como a clássica capa da VEJA, "O carisma de Simone").

Agora no Natal, com o Facebook e seus compartilhamentos, e a eterna campanha "Por Um Natal Sem Simone", me bate uma certa tristeza ver o nome da cantora assim, jogado, vez que há tanta qualidade em muitos dos seus álbuns. Simone, tão elogiada por tantos nomes importantes, como Quincy Jones (o produtor americano é o mais célebre fã de Simone e parece que se apaixonou por seu trabalho ao ouvi-la cantar "Começar de Novo" nos anos 70), Milton Nascimento, que lhe enviou a canção "Cigarra", nome pelo qual é conhecida, e Elis Regina que, ao ser questionada em 1980 sobre quais seriam os destaques dessa nova geração de cantoras, citou o nome de Simone, destacando sua beleza, o bom repertório e a possibilidade de um bom desabrochar, hoje é nada mais que motivo de frases jocosas.

Mas depois de 25 de Dezembro não podia ser diferente.

Talvez a própria Simone nem se importe tanto com esse fato. Talvez ainda cante, irônica e internamente, "Não Sonho Mais", foi um sonho medonho desses que às vezes a gente sonha.

Discografia selecionada:

Gota d'Água (1975)

Cigarra (1978)

Pedaços (1979)

Ao Vivo (1980)

Amar (1981)

Sou Eu (1992)

Simone Bittencourt de Oliveira (1995)

Café Com Leite (1996)

Vídeos selecionados:

Cigarra (Milton Nascimento)

Pra Não Dizer Que Não Falei de Flores (Geraldo Vandré)

Caçador de Mim (Milton Nascimento)

O funk de Gal

2011-12-15T16:00:00.001-08:00

Mas por quê
Mas por quê
Por que eu fui meter você
No meu som
No meu bom

Miami Maculelê
Miami Maculelê
Miami Maculelê

Discoteca Básica #2

2011-12-13T19:50:00.000-08:00

Maria Bethânia

A Cena Muda (1974)

Quem conhece a discografia de Maria Bethânia sabe que os melhores álbuns da cantora são aqueles gravados ao vivo, registrando cada um dos seus inúmeros shows, nesses mais de quarenta anos de carreira. Isso porque é apenas no palco que Bethânia se mostra por inteira, e é somente lá que podemos aprecia-la em todo seu esplendor e constatar que, sem sombra de dúvidas, ela é a maior intérprete da nossa MPB de todos os tempos.

A Cena Muda foi lançado em 1974 e tem esse nome porque, de fato, aqui a cena muda. Nesse show Bethânia não declama nenhum de seus famosos textos e poemas portugueses (Fernando Pessoa, claro) e deixa um pouco de lado a literatura excessiva que predominava nos espetáculos anteriores, Rosa dos Ventos e Drama 3 Ato, voltando mais para a poesia intrínseca às próprias canções. Por isso a cena muda e também é muda - Bethânia não fala, só canta. Não há texto, apenas canções devidamente escolhidas com o intuito de formular mais um simples show, mas sim um verdadeiro espetáculo, um musical de cunho teatral.

Mais do que uma mudança nos rumos de sua carreira nos palcos, A Cena Muda talvez nos mostre o melhor do registro vocal de Bethânia e de sua versatilidade. O repertório também ajuda - e muito.

A abertura, com "Luzia Luluza" já anuncia o tempo como um dos principais personagens do espetáculo, o que se confirma na sequência, com Bethânia reinventando "Sinal Fechado/ Roda Viva/ Rosa dos Ventos" de uma forma única. Em seguida, engata "Cala a Boca, Bárbara" que, com o final quase sussurado, serve como prelúdio ao melhor momento do disco, no qual Bethânia entoa "Conversação Entre João e Maria/ A Sonhar Eu Venci Mundos/ Sonho Impossível".

O que se segue não decepciona: "Taturano/ Galope" nos leva a uma viagem pelo sertão nordestino, com seu cenário e povo árido e música profunda e rítmica. Mas o que vem por aí ainda é melhor, como prova "Quem Há de Dizer/ Demoníaca", esta última cantada por Bethânia devidamente deitada no palco, com a cabeça virada para a plateia.

"Encouraçado/ Resposta/ Num Samba Curto", "Tira As Mãos de Mim/ A Coroa do Rei" e "Eu Fui à Europa", nos mostram o poder da voz da cantora e aquilo que de fato a diferencia de todas as outras: Bethânia interpreta cada canção de forma única, como se as canções tivessem sido feitas unicamente para que ela pudesse cantá-las.

Na sequência vem "Gás Neon/ Luzes da Ribalta", "Espinita/ Disseram que Eu Voltei Americanizada", "Lili (Hi-Lili-Lo)/ Não Tem Tradução/ Ator de Cinema", "Sinal Fechado/ Desesperadamente/ Dez Bilhões de Neurônios", "Dos Pés a Cabeça/ Nossa Senhora D' Ajuda" - maravilhosas, cada uma em sua particularidade, abrem caminho para a sequência final.

E ela fecha da melhor maneira possível, com "Eu Vim do Sertão/ Midas/ Maria, Maria" - incrível como Bethânia combina tão bem as canções que parece que elas se tornam uma só, inédita! - e "Demoníaca/ Chão de Estrelas/ Sinal Fechado".

Aqueles que presenciaram o espetáculo, de fato, presenciaram um grande momento, pois se apenas a voz de Bethânia aqui já é marcante, vê-la no palco, com toda sua "presença morena" e apoiada nesse repertório, deve ser descrito como nada menos que "inesquecível" ou mesmo "indescritível".

A Cena Muda não é apenas um dos melhores álbuns da carreira de Maria Bethânia, é sim um dos melhores álbuns de MPB de todos os tempos e totalmente indispensável a qualquer um que se digne a dizer que gosta e aprecia a boa música feita nesse país abençoado por Belzebu.

Anos 90 e Jurassic Park

2011-12-12T13:36:00.000-08:00

Ah, os anos 90.

Há aqueles que reclamam, dizem que foram anos irrelevantes em termos culturais, sociais, antropológicos e o caralho a quatro, mas para aqueles que cresceram vivendo e absorvendo toda a cultura pop lançada, não há o que se discutir, os 90 foram anos divertidíssimos e inesquecíveis.

Sem sombra de dúvidas, a franquia Jurassic Park é um dos maiores ícones dessa década. Também, pudera: a mistura de aventura, adrenalina, sangue, monstros e tudo o mais, feita por Steven Spielberg, em especial no primeiro filme da série, a meu ver, nunca chegou num grau de perfeição tão grande.

Durante os últimos 7 dias revi os três filmes da série. O primeiro filme, duas vezes. Não há como negar: passam-se os anos, mas os filmes não envelhecem; pelo contrário: parece que a cada vez que assisto eles se tornam ainda mais deliciosos!

Jurassic Park, o filme, primeiro da série, é daqueles filmes que não tem hora para se assistir: pode ser durante o dia, à noite, em dias de sol, tardes chuvosas. Também pode ser visto legendado no DVD ou dublado na Temperatura Máxima (salvando nossas tardes dominicais!): de qualquer forma, a experiência sempre vai ser divertida e memorável.

Dr. Grant, Dra. Sattler, Dr. Malcolm, John Hammond, são todos nossos amigos e conhecidos - e como é bom reconhece-los olhando para a TV e torcer por cada um deles (mesmo a gente sabendo não apenas o desfecho que cada um terá, mas também as frases que vão dizer nos próximos segundos).

Tudo em Jurassic Park é perfeito! Tão perfeito que dá até para perdoar continuações imperfeitas como O Mundo Perdido: Jurassic Park e Jurassic Park III, porque, afinal de contas, nossos heróis estão ali e queremos acompanhar a trajetória de cada um deles.

Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum) e Dr. Alan Grant (Sam Neill): nossos heróis

Há pelo menos uns 4 anos dizem que Spielberg quer continuar a franquia. Agora parece que a coisa esquentou e realmente vai sair um roteiro e o filme pode vir a estrear em 2014. A gente só espera que o roteiro se passe inteiramente em uma das Ilhas - eu, particularmente, adoro a Ilha Nublar - e que não tenhamos mais tentativas de enfiar dinossauros na cidade grande - os momentos finais do segundo filme já nos mostraram que isso é um tremendo anti-clímax.

Mais importante que uma continuação é saber que provavelmente uma versão 3D do filme será lançada para cinema, só não se sabe quando. Por enquanto, ainda estão havendo estudos sobre a viabilidade disso - mas aguardemos por boas notícias.

Laura Dern no papel da Dra. Ellie Sattler: musa absoluta em meio aos raptores

Mais que uma cinessérie, Jurassic Park é um marco do cinema e um marco na vida daqueles que, como eu, tiveram sua formação nos anos 90. Spielberg, meu caro, manda bala. Já estávamos com saudade dos raptores e do Dr. Alan Grant, mesmo.

[Em tempo: a trilha sonora de Jurassic Park, feita pela lenda John Williams, é daquelas que você não pode deixar de ter em casa.]

Lady Gal

2011-12-11T07:41:00.001-08:00

Fim de ano - e blog totalmente abandonado.

Tenho a impressão de que 99% dos meus textos, inclusive, iniciam com eu fazendo uma reflexão sobre o tempo que deixei isso aqui parado. Acho que está na hora de inovar.

De qualquer forma, na onda de promessas para o ano de 2012, prometo que vou tentar dar um pouco mais de atenção a isso aqui. Não que as pessoas estejam sentindo realmente falta - afinal, quantos leitores eu tenho? RISOS - mas acho que eu mesmo sinto um pouco de falta de "falar um pouco" com uma "folha" de papel em branco.

Feita a "expectativa" para 2012, vamos ao que esse post se propõe.

Gal Costa voltou aos holofotes com um álbum novo, o primeiro de inéditas em seis anos, todo produzido e com composições de Caetano. O álbum, intitulado "Recanto", foi precedido de muitas expectativas, e de uma reportagem de capa na revista Rolling Stone brasileira, onde Gal e Caetano relembraram momentos da parceria e falaram das novidades. Por mais que existam novas cantoras interessantes e de talento dentro da MPB atual, não há como negar que Gal continua suprema - e o interesse em seu trabalho ainda é grande.

As declarações de Gal acerca do show que acompanhará a promoção de "Recanto" também são animadoras. A cantora declarou recentemente que vai encarnar a Tina Turner no palco. A que depender do repertório, essa não será tarefa difícil.

"Recanto" traz aquilo de melhor que a parceria de Gal com Caetano já rendeu, como canções engajadas, canções amorosas, ou pura poesia cantada, mas acrescenta um ingrediente novo e eficaz: a tecnologia eletrônica. O álbum, portanto, não soa datado ou repetido, muito pelo contrário: a voz de Gal e a poesia de Caetano são nossas velhas conhecidas, mas aqui se vestem de ineditismo, como se estivéssemos frente a uma cantora e a um compositor que estamos apenas descobrindo.

A faixa de abertura, "Recanto Escuro", serve como um anúncio ao ouvinte, com Gal entoando os versos "eu venho de um recanto escuro", como se estivesse saindo de um longo período de hibernação para voltar ao lugar que sempre foi dela, os holofotes.

A engajada "Neguinho" (descrita como o mais próximo que uma cantora de MPB conseguiria chegar do som de Lady Gaga) e "Miami Maculelê" são banquetes dançantes, enquanto "O Menino" remete à ideia de "poesia cantada", com letra e música ímpares. "Sexo e Dinheiro" estabelece um paralelo maravilhoso entre esses dois substantivos tão próximos e tão distantes (esqueça o que Rita Lee fez em "Amor e Sexo"). "Autotune Autoerótico" não é o que o nome sugere: é muito mais.

Com "Recanto", Gal conseguiu o que muitas cantoras consagradas não conseguem: um álbum que reverencia tudo o que já fez de bom, mas que não soa como um verbo conjugado no tempo pretérito. Pelo contrário, em "Recanto" tudo é novo, tem cheiro e gosto únicos.

"Recanto" prova que Gal deixou o seu "recanto escuro" porque ele é pequeno demais para tudo aquilo que ela é.

Da sustentável tristeza do ser

2011-07-30T12:13:00.000-07:00

Essa semana me deparei com uma frase do Gustave Flaubert (o autor de "Madame Bovary", para os desavisados) que dizia o seguinte: "Cuidado com a tristeza. Ela é um vício".

Confesso que a primeira sensação que me passou pela mente foi de espanto. Espanto porque eu mesmo já tinha desenvolvido uma tese parecida dentro da minha mente, mas até aí era eu pensando e não o Flaubert. A questão aqui não é ego, mas sim espanto por algo que você achava que podia ser bobagem da sua mente ter sido dito por outra pessoa que você considera anos-luz à sua frente em termos culturais, sociológicos, etc. Pensa num evangélico que tem um insight e depois descobre que a Bíblia fala exatamente aquilo que ele pensava. Então, minha sensação foi mais ou menos essa (ok, o exemplo parece meio ruim, mas é o melhor que encontrei para ilustrar, desculpaê).

Bom, daí que ontem à noite eu assisti "Quando Fala o Coração", de Alfred Hitchcock (filme bem interessante, por sinal, mas esse não é o foco no momento) e em uma cena a psiquiatra interpretada por Ingrid Bergman diz algo mais ou menos assim para um de seus pacientes: "Você não está melhor porque sua mente, por alguma razão, não quer que você melhore e fique bem". Bom, foi o segundo choque da semana. Ok, era um filme, mas gente, pensa em todo o contexto que eu citei acima e tudo o mais. Mesmo sendo algo menor, quando você encaixa isso dentro de outras coisas, toma uma proporção maior, ao menos dentro de mim.

Certo, mas to falando isso tudo por que? Tô falando justamente porque acredito de forma bastante clara que, às vezes, é mais tentador ser triste do que ser feliz. Essa já era uma teoria que eu carregava há muito tempo e se evidenciava porque comecei a perceber que as pessoas à minha volta, no geral, gostavam mais de filmes e músicas tristes que o contrário. Bom, a pesquisa de campo começou comigo mesmo porque né.

Então, sei lá, gente, isso ficou batucando na minha mente sem parar essa semana. Será que eu tô viciado em tristeza e por isso não consigo ser feliz como tantas outras pessoas à minha volta parece sempre ser? De vez em quando isso vem na minha mente e fica me martelando uma dúvida "Será que eu quero mesmo ser feliz?". Mais de uma vez acho que eu já respondi que "tanto faz" ou que "isso não me importa". A tristeza, pouco a pouco, parece que se tornou bem mais atraente que a felicidade. E as coisas que eu classifico como "lindas" ou simplesmente "bonitas" quase sempre estão impregnadas de tristeza, melancolia, doses de depressão.

Confuso isso, e perturbador também. Tô começando a pensar que, diferente da tese da maioria das pessoas, o que o ser humano busca mesmo é ser triste. E sei lá porquê. Talvez porque a tristeza seja mais bela, mais emocionante, mais tocante ou, e essa é minha tese, simplesmente porque um momento de pequena tristeza é sempre muito mais marcante que um momento de grande felicidade.

Deixando marcas

2011-07-27T23:57:00.000-07:00

Quis passar por aqui e deixar uma marca, mesmo que mínima.

Sem vídeo, sem foto, sem citação. Simplesmente algumas palavras escritas para eu me lembrar que esse lugar ainda existe e que pode, pouco a pouco, ser povoado por mim.

The letter

2010-11-18T14:42:00.000-08:00

Sumido, mas não morto. Coisas demais no mundo real - deveriam ser transformados em pequenos fragmentos a serem postados aqui. Como essa canção.

Caught up running with just a little too much to hide

Maybe baby, everything's gonna turn out fine

Please read the letter - I nailed it to your door

It's crazy how it all turned out - we needed so much more

De volta e "Do Começo Ao Fim"

2010-08-29T17:36:00.000-07:00

Fazia um tempão que não dava as caras por aqui. Por motivos mil: falta de tempo, preguiça, assunto, prática. Esse mundo é louco: a semana passa e a gente vive coisas tão diferentes e estranhas e malucas, mas na hora de refletir, quase nada merece ser relatado aqui ou contado aos amigos. E baixa aquela sensação de que na sua vida não está acontecendo nada. Constatação errada: as coisas acontecem. O que não acontece é a gente aproveitar os momentos e tentar tirar algo que realmente valha a pena deles. Mas, qual o que, isso não é um blog de auto-ajuda. E eu muito menos tenho gabarito para aconselhar alguém ou para falar sobre esse tipo de coisa - uma vez que eu mesmo acabo sendo prisioneiro da rotina e da mesmice do dia a dia.

Mas, enfim, deixando as filosofias de lado, vamos tratar de falar sobre algo relativamente interessante e que vocês talvez tenha algum interesse em ler. Da última vez que postei algo aqui tinha prometido falar sobre "Twin Peaks". É, mas o tempo passou, as coisas mudaram e minha paixão pela série em questão ficou um pouco fria. Não que ela tenha menos méritos: a primeira temporada é totalmente brilhante. Mas algumas coisas me fizeram emperrar na metade da segunda temporada - e eu ainda não consegui voltar a ver. Assim que eu tiver coragem de terminar prometo voltar aqui e falar mais sobre ela.

Bom, terceiro parágrafo e eu ainda não comecei a falar sobre o que queria. Parece que o anacoluto tá realmente tomando conta de mim hoje. Então, vamos deixar de frescuras e vamos lá. Gostaria de falar um pouquinho, de forma bastante sucinta pra ser bem sincero, sobre o filme "Do Começo Ao Fim". Agora que toda a polêmica ao redor dele passou, e eu finalmente o assisti, acho um momento adequado pra falar sobre qualidades e defeitos do longa.

Creio que todos tenham ouvido falar sobre esse filme, devido à polêmica que ele veio causando na mídia desde o ano passado, antes mesmo de ser lançado nos cinemas aqui do Brasil. Produto nacional, dirigido por Aluizio Abranches, que antes já tinha abraçado um projeto polêmico com o longa "Um Copo de Cólera", o filme em questão tem como pano de fundo uma relação homossexual e incestuosa, envolvendo os dois irmãos Francisco e Tomáz. Desde a infância os irmãos vão mostrando que são muito próximos, próximos demais, como na fala de um dos personagens do filme, até o momento em que, já adultos e após a morte da mãe, os dois passam a viver juntos e assumem o romance.

Não quero me estender mais dando detalhes sobre o filme, direção, atuações, enredo. Basta saber que essencialmente temos atores competentes e uma direção realizada de maneira adequada. O que me interessa discutir em "Do Começo Ao Fim" é o porquê do enfoque dado pelo diretor Abranches.

Muito já se disse que Abranches foi "covarde" que não quis enfrentar todas as questões "sociais, filosóficas, morais, sexuais" e patati e patatá que o tema implicaria. Alguns veículos chegaram a publicar que no filme tudo era lindo, branco e maravilhoso como num comercial de margarina. E é bem por aí. O que me admira é que muitos não tenham enxergado além dessas questões que foram levantadas. Filmes de temática homossexual no geral tendem a cair no caricato - toda aquela questão de família que não aceita, filho que sai de casa, família que se redime e quantos mais clichês você consegue imaginar. A questão é que "Do Começo Ao Fim" não me parece ter sido idealizado como um "filme gay", simplesmente.

A mim me pareceu que toda essa coisa que Abranches se propôs a fazer nada mais funcionou como uma crítica ao próprio modo do brasileiro fazer cinema. Vejamos: os personagens são de classe alta, tem conforto, fazem viagens internacionais, tem do bom e do melhor; quando os dois irmãos se mostram apaixonados um pelo outro nenhum dos pais realmente interfere - há apenas um cochico de um lado, um comentariozinho do outro. Mas nada demais: a mãe morre, o pai sai de casa, deixa os meninos morando sozinhos e levando sua vida como um casal. Simples assim.

Num típico filme brasileiro, os personagens seriam pobres e moradores da favela, haveria briga entre todo mundo quando a relação entre os dois meninos fosse descoberta, gente gritando de um lado, ameaçando bater, a velha discussão daquilo que é "certo" e daquilo que é "errado". "Do Começo Ao Fim" rejeita tudo isso: Abranches se recusa a seguir essas regrinhas pré-estabelecidas, porque o que interessa a ele, a meu ver, não é discutir questões sociológicas ou o caralho a quatro: ele apenas quer fazer o seu filme do jeito que imagina, que ousa, que quer, sem ter que obedecer a um manual chatinho que o cinema brasileiro parece ter criado. A presença de atores conhecidos do público como Fábio Assunção, Julia Lemmertz, Louisie Cardoso, parece confirmar isso: nada de atores desconhecidos, atores de teatro, de cinema alternativo para dar ares de intelectualidade e de filme alternativo à obra.

Esse foi o desafio que Abranches enfrentou com "Do Começo Ao Fim". E justamente por ter a coragem de peitar de frente com convenções e recusar-se à fazer aquilo que todo mundo esperava dele, foi chamado de covarde. "Do Começo Ao Fim" não é um filme gay, nem um filme que quer contar o drama de ser gay, ou o drama de viver uma relação incestuosa. É apenas o produto da mente de um diretor preocupado com fazer aquilo que quer e, assim, enfrentar de peito aberto críticas e gongos - sem se importar com o que quer que os outros pensem sobre seu trabalho ou sobre o que ele deveria ter feito ou deixado de fazer nele.

Adivinha qual vai ser meu próximo post?

2010-06-07T20:28:00.000-07:00

The time is near

2010-02-05T13:25:00.000-08:00

“Feliz aquele que lê e aqueles que escutam as palavras desta profecia, se praticarem o que nela está escrito. Pois o tempo está próximo.”

(Apocalipse: 1-3)

Tal citação, tirada da Bíblia Sagrada, ajuda a dar uma idéia, mesmo que superficial, sobre a atmosfera que envolve o clássico “Apocalipse Now”, do diretor Francis Ford Coppola. Festejadíssimo entre os cinéfilos ao redor de todo o mundo, e certamente um dos maiores filmes do grande cineasta que foi Coppola, “Apocalipse Now” não é apenas o registro, em forma de ficção, de uma das guerras mais assustadoras e misteriosas de todos os tempos; ele é a própria personificação dessa guerra, em todos os seus aspectos.

Quem me conhece sabe que, mesmo eu sendo totalmente pirado em cinema, há ainda uma barreira que, por vezes, me impede de apreciar um filme: sua duração. Não é pela questão do tempo em si que digo isso, mas sim pelo fato de que muitos filmes enormes assim o são apenas pelo fato de conterem um punhado de cenas desnecessárias e que poderiam ser perfeitamente cortadas do roteiro final. Quando tais cortes não acontecem em filmes desse tipo, eles acabam ficando com cara daquelas minisséries longas e chatas, que levam não sei quantos capítulos para, no final, não chegar a lugar nenhum. Com “Apocalipse Now”, entretanto, a coisa foi diferente.

E não digo isso, simplesmente, para fazer pose. Desde a brilhante cena de abertura, que deixa o espectador totalmente sem fôlego e com os olhos vidrados na tela, e passando pelos minutos em que acompanhamos o personagem de Martin Sheen dialogando consigo mesmo em um quarto de hotel, o filme é um espetáculo indescritível, que dispensa qualquer tentativa de descrição ou mesmo de rotulação. Durante as mais de três horas de duração, “Apocalipse Now” nos leva não apenas para dentro do conflito hediondo que foi a Guerra do Vietnã como, bem mais do que isso, nos leva a conhecer as entranhas dessa guerra e, se não bastasse, dos “fantoches” – forma que poderíamos usar para designar os componentes do magnânimo exército estadunidense - que faziam com que tal guerra prosseguisse.

A história, como a maioria deve saber, gira em torna da missão recebida pelo capitão Willard (Martin Sheen). Seguindo ordens oficiais do exército, Willard deve subir o (fictício) rio Nung a bordo de um barco patrulha para matar seu compatriota, o coronel Kurtz (Marlon Brando), que passou a agir por conta própria, comandando um exército de rebeldes na fronteira entre o Vietnã e o Camboja. Dessa forma, acompanhamos todo o trajeto de Willard para encontrar e matar Kurtz e nesse meio tempo é que se desenvolve praticamente todo o filme.

A meu ver, não cabe a eu ficar aqui soltando spoilers nem antecipando emoções que o espectador terá durante o tempo em que passar em frente à tela, mais do que simplesmente vendo, sentindo o filme. “Apocalipse Now” é um filme que nos surpreende e nos toca de uma forma tão única e tão diferenciada que eu creio não conseguir realmente expressar em palavras tudo o que senti ao assistir o filme. Desde a primorosa fotografia até aos brilhantes diálogos, passando pelas vigorosas interpretações até chegar em sua trilha sonora, esse é um filme que é brilhante e perfeito em todos os aspectos.

A lenda aqui é Marlon Brando (mesmo aparecendo praticamente durante quinze minutos em todo o filme o nome do cara é o primeiro a aparecer nos créditos), claro, mas eu ressalto o trabalho esplendoroso de Martin Sheen no papel principal do capitão Willard. Contido, o ator consegue dar ao personagem uma humanidade e uma simpatia ímpar que mesmo nos momentos em que ele se revela relativamente cruel fica difícil para o espectador sentir apatia por ele. Falo isso, pelo fato de depois de ler bastante sobre o filme perceber o quanto o ator foi subestimado e os tão poucos elogios verdadeiramente entusiásticos que recebeu. A crescente loucura e a perda do controle que decaem sobre Willard é constatada claramente, não apenas graças ao bom trabalho e a criatividade de Coppola, mas também pela forma verdadeira e desafiadora pela qual Sheen (que aliás só obteve o papel depois de pelos menos três outros o terem recusado) o encarnou.

O que me resta a dizer é que “Apocalipse Now” é um filme essencial, perfeito, inatacável e faz-nos perceber que todos os contratempos (e eles não foram poucos) enfrentados por Coppola para que o filme ganhasse vida e finalmente viesse à tona valeram indubitavelmente a pena. Mais do que tudo o que já disse, a principal palavra que pode ser associada a “Apocalipse Now” é atemporal. Como já foi dito uma vez, apenas uma coisa faz perceber a idade deste filme: ele é bom demais para ter sido feito nos dias de hoje.

Don't give up

2010-01-21T06:41:00.000-08:00

Não, não desisti. Por incrível que pareça, gosto mesmo desse espaço, gosto mesmo de escrever aqui e é algo que faço com gosto. Se não o faço tão periodicamente é pelo fato de que fico tentando sempre procurar coisas diferentes para falar. Não deveria ser assim, uma vez que, dizem, blog deve ser algo descontraído e coisa e tal. Mas eu não sou descontraído, motivo mais do que satisfatório para que meu blog também não o seja.

Prometo que volto em breve. Até lá deixo-os com mais um videozinho.

Erotismo, cadê?

2009-12-30T17:01:00.000-08:00

Quando vi que Fernanda Young ia posar para a Playboy, lá por meados desse ano, fiquei super contente. Eu, que durante muitos anos fui apreciador da revista, daqueles que realmente gostavam de ver as fotos sempre que possível, estava de bode com ela há muito tempo, tanto pelas imagens pasteurizadas e com tons de poliéster, quanto pela falta das "estrelas", das grandes musas de outrora, como o foram Vera Fischer, Bruna Lombardi e Maitê Proença, por exemplo.É certo que o ensaio de Fernanda, feito por ninguém menos que Bob Wolfenson foi lindo e totalmente poético, ao mesmo tempo que erótico e agressivo. E artístico, mesmo a própria Fernanda discordando. Mas será que ele abrirá caminho para uma série de ensaios parecidos ou nos mesmos moldes?

Remexendo nas velhas Playboys que eu tenho em casa, encontrei a da atriz Tatiana Issa (?!), de quem hoje em dia ninguém deve se lembrar. De qualquer forma, o ensaio de Tatiana, também clicado por Wolfenson é um dos mais lindos e arrebatadores que eu já vi na minha vida. Procurando algumas fotos na net, encontrei duas belíssimas fotos, em preto e branco.

Triste ver essas fotos e ver as coisas que a Playboy publica hoje em dia. Resta torcer para que o "fenômeno Young" mude alguma coisa.

Adeus Ano Novo, Feliz Ano Velho!

2009-12-30T07:09:00.000-08:00

E chegamos ao final de 2009! E fim de ano é sempre aquela mesma ladainha: ano novo, vida nova, feliz ano novo, adeus ano velho, etc.. Eu, como bom cético e como bom chato não dou a mínima para nada disso e acredito que a única coisa boa que o réveillon traz é a oportunidade de beber champagne, isto é, quando você tem acesso a tal tipo de bebida (eu disse champagne e não cidra ou seus variados, aqueles brindes que sua mãe ganha no supermercado no final do ano) e a de se deparar com variadas espécies de frutas que geralmente não temos em nosso dia-a-dia.

Fora isso, pra mim tudo é uma imensa bobagem. Bobagem maior, só as listinhas de final de ano. Mas admito, eu amo listinhas, o que deve constituir a terceira coisa que gosto quando se trata de finais de ano. Então, segue abaixo o que de melhor vi, ouvi e li nesse ano de 2009. E que venha 2010 e mais material para listinhas.

Filmes

Vi muitos filmes esse ano, mas estranhamente quase nenhum que me tenha deixado totalmente vidrado ou apaixonado. Digo quase nenhum quando se trata de filmes recentes. Tanto que, dentro todos os dez filmes que listarei abaixo apenas um deles data de 2009; dos outros, o mais recente é de 2003.

A única coisa que me parece certa é que as expectativas que guardo acerca dos filmes contemporâneos muitas vezes se frustram a ponto de o filme ser bom, mas ser abaixo do que eu espera. E por isso deixa de ser bom. Isso ocorreu comigo com, por exemplo, “Milk”, que sim é lindo, verdadeiro e extremamente bem-feito mas que a meu ver carece de algo mais.

De qualquer forma, isso é assunto para um outro post. Portanto, seguem abaixo a listinha dos dez melhores filmes que eu vi em 2009.

O Anticristo (2009)

Causou polêmica, foi amado e odiado nas mesmas proporções. Não é todo mundo que gosta, mas eu gosto. Só digo isso.

Tempo de Lobos (2003)

Haneke dá sua versão do “fim do mundo”, ou de algo muito parecido com ele.

Pérfida (1942)

Esse filme tem a clássica cena da mulher que assiste impassível à morte do marido e Bette Davis no elenco.

Sonata de Outono (1978)

Ingrid Bergman e Liv Ullman vivem mãe e filha num confronto agoniante. Enquanto via não sabia se segurava minha garganta, se fechava os olhos ou se rolava pelo chão de tanta aflição.

Vício Maldito (1962)

Foi o filme que fez com que eu me apaixonasse por Lee Remick. Triste.

Os Pássaros (1963)

Clássico de Hitchcock e totalmente inatacável para dez entre dez cineastas. As técnicas de filmagem desse filme são estudadas até hoje.

Tudo Sobre Minha Mãe (1999)

“Todo fã de Bette Davis deveria ver esse filme”, é o que me disse uma amiga. Eu diria que toda pessoa digna de pisar sobre a terra deveria ver esse filme.

Os Desajustados (1961)

O último filme de Marilyn Monroe antes do seu final trágico. Coincidência ou não, aqui ela interpreta uma mulher ingênua, solitária e incompreendida. Destaque para a boa atuação de Montgomery Clift.

C.R.A.Z.Y. – Loucos de Amor (2005)

Filme lírico e lindo – já falei rapidamente dele em um post anterior.

Matou a Família e Foi ao Cinema (1969)

Para não me chamarem de vendido, um filme nacional nessa lista. Bressane em estado de graça, em uma história febril, incômoda e que vai totalmente contra o cinema pátrio tradicional.

Música

Esse foi um ano em que eu ouvi muita, mas muita coisa. E coisas muito diferentes uma da outra, indo desde música clássica até pop chiclete de FM. Por isso mesmo listar os dez CDs mais legais que eu vi nesse ano foi uma tarefa dura. Depois de peneirar muito eu cheguei aos dez nomes definitivos.

Sounds Of The Universe (2009), Depeche Mode

Desde criancinha sou acostumado ao som do Depeche Mode, graças ao meu irmão que é fã assumido desde os 80. No entanto, comecei a prestar mais atenção no Depeche há uns 5, 6 anos atrás. “Sounds Of The Universe” traz tudo aquilo que o Depeche é: ambiente sombrio, letras febris, melodias sensuais e ao mesmo tempo misteriosas e a voz, sempre inebriante, de Dave Gahan.

Ouça: “Perfect”, “Miles Away” e “Jezebel”.

Alucinação (1976), Belchior

Na melhor definição que já ouvi “o Bob Dylan brasileiro”. Álbum essencial, recomendado por uma amiga, e que pra mim é um dos pilares da nossa música.

Ouça: “Apenas um Rapaz Latino-Americano”, “Velha Roupa Colorida” e “A Palo Seco”.

It’s Blitz!(2009), Yeah Yeah Yeahs

Diferentemente de outras bandas indie, o YYYs parece mais conciso e melhor a cada disco lançado. Destaque para a voz de Karen O, aqui em seu ápice, e para a criatividade do grupo na criação de muitas melodias.

Ouça: “Zero”, “Heads Will Roll” e “Dragon Queen”.

Cinema Transcendental (1979), Caetano Veloso

Outro clássico brasileiro, desta vez dentro do lirismo único, e às vezes incompreendido, de Caetano Veloso. As letras desse álbum são o melhor dele; quem duvidar que ouça “Cajuína”.

Ouça: “Cajuína”, “Menino do Rio” e “Vampiro”.

Baioque (1997), Elba Ramalho

Gosto de Elba sim. Podem soltar as frases preconceituosas que quiserem, mas ainda vejo nela uma intérprete vigorosa e consciente da importância da música nordestina. Esse álbum, recheado de recriações de clássicos como “Vila do Sossego” e “Paralelas” é simplesmente inatacável.

Ouça: “Vila do Sossego”, “Paralelas” e “Pavão Mysterioso”

Tonight (2009), Franz Ferdinand

Eles são meus amores e a cada CD penso que crescem ainda mais rumo à imortalidade e ao reconhecimento como uma das grandes bandas do nosso tempo.

Ouça: “Lucid Dreams”, “Bite Hard” e “Ulysses”.

Gal Costa (Não Identificado) (1969), Gal Costa

Eu já era apaixonado por Gal desde muito antes, mas só esse ano pude ouvir esse, seu segundo álbum e o primeiro como cantora solo (o primeiro, “Domingo”, foi lançado em parceria com Caetano Veloso).

Ouça: “Baby”, “Divino, Maravilhoso” e “Namorinho de Portão”.

Discipline (2008), Janet Jackson

Antes da morte de Michael, tinha ouvido apenas uma canção dela. Esse ano caí na real, fui atrás e Janet acabou por se tornar uma das minhas preferidas, mesmo. Esse é seu álbum mais recente, recheado de efeitos eletrônicos aliados à mais moderna black music. Vício imediato.

Ouça: “Feedback”, “Rollercoaster” e “So Much Betta”.

Doolittle (1989), Pixies

Quando ouvi esse álbum dos Pixies percebi onde estavam as raízes de 90% das bandas que rondam a cena alternativa atual.

Ouça: “Debaser”, “Here Comes Your Man” e “Monkey Gone To Heaven”.

Walking On a Dream (2008), Empire Of The Sun

Quem curte MGMT vai adorar. Uma banda estranha, que parece não ter medo de ousar ou inovar.

Ouça: “Walking On a Dream”, “Standing On The Shore” e “We Are The People”.

Places Like This (2007), Architecture in Helsink

A maior descoberta que fiz esse ano, dentre as bandas atuais. Catárticos, estranhos, bizarros, geniais (quem viu os vídeos e algumas fotos, desconfia ao menos). As músicas de “Places Like This” são feitas sob encomenda para serem ouvidas no volume máximo permitido por seus tímpanos.

Ouça: “Hold Music”, “Like It Or Not” e “Debbie”.

Music For Men (2009), The Gossip

Gostinho de pós-punk oitentista, devidamente combinado com um vocal poderoso. Indicado para viciados em Yeah Yeah Yeahs.

Ouça: “Heavy Cross”, “Love Long Distance” e “Pop Goes The World”.

Teorias do Amor Moderno (2008), Vivendo do Ócio

Outra descoberta, dessa vez nacional. Rock indie para pular até encharcar a camiseta de suor.

Ouça: “Oh, não!”, “Fora Mônica!”, e “Amor em Fúria”.

Luisa Mandou um Beijo II (2009), Luisa Mandou um Beijo

Compararam o Luisa aos chatos do Los Hermanos. O fato é que o Luisa tem uma vocalista anos-luz à frente do vocal chinfrim que rodeia os Hermanos; isso sem contar que as letras, surreais, abstratas ou simplesmente inteligentes são bem-feitas, sem beirar o pedantismo dos outros.

Ouça: “Borboleta Imperial”, “Mar Sem Sal” e “Mar Bravio”.

Yes (2009), Pet Shop Boys

Depois de flertes com sons acústicos e com uma eletrônica mais “cabeça” nos dois últimos álbuns, os Pet Shop Boys voltam a fazer o pop descompromissado de discos como “Very” (1993). E o resultado é bom, muito bom.

Ouça: “All Over The World”, “Beautiful People” e “Did You See Me Coming?”.

Livros

Li tão pouco esse ano, em se tratando de literatura mesmo, que fico até envergonhado de recomendar apenas um livro nesse espaço. Mas infelizmente não há nada que eu possa fazer para mudar isso, então a indicação é “Todos os Homens São Mortais”, de autoria de uma das minhas escritoras favoritas, Simone de Beauvoir.

Aqui, Simone abandona um pouco o realismo que havia permeado suas ficções anteriores e parte do pressuposto de um homem imortal para narrar sua história. Claro que, em se tratando de Simone, assuntos muito mais profundos e muito mais interessantes são tratados no decorrer do livro, como a mulher que guarda na mentalidade a idéia de que, sendo amada por um homem imortal, também imortal ela se tornará. Ou o próprio protagonista, a quem tudo é permeado da mesma cor e dos mesmos traços, sempre, e a quem é impossível amar plenamente e ver qualquer coisa ou sentimento como algo realmente novo ou diferente. LEIAM.

Hitchcock: o grande mago nu

2009-12-30T06:55:00.000-08:00

Já tive a oportunidade, em outros momentos, de discorrer um pouquinho acerca de Alfred Hitchcock, cineasta cuja fama e prestígio dispensam qualquer tipo de apresentação.

Desde que comecei a ter acesso a seus filmes, há alguns anos atrás, meu interesse por Hitchcock se manteve crescente e sempre vivo, e ele só se exacerbava à medida que eu ia descobrindo obras-primas como “Disque M Para Matar” ou “Um Corpo Que Cai”, por exemplo. Esse ano tive acesso a uma obra ímpar e indispensável, não só àqueles que são apaixonados por Hitchcock, mas também a qualquer um que tenha um mínimo interesse por cinema: o livro “Hitchcock/ Truffaut: Entrevistas”.

Não é do conhecimento de todos, mas há algum tempo atrás Hitchcock não gozava de forma alguma do prestígio e do apoio da crítica que lhe são inerentes em nosso tempo. Pelo contrário, muitos de seus filmes, hoje tidos como verdadeiras obras-primas, foram detonados e linchados à época de seu lançamento. O próprio diretor era visto com reservas, uma vez que o acusavam sempre de filmar a mesma história. Para ajudar, Hitchcock desenvolveu 95% de sua filmografia apoiada no suspense, gênero tido como menor e enormemente desprezado pela crítica.

Diante disso, o também cineasta François Truffaut, convencido da genialidade de Hitchcock e de suas muitas qualidades como mestre das artes cinematográficas, teve a idéia de realizar uma série de longas entrevistas com o grande mago do suspense, tendo como um de seus intuitos mudar a opinião geral da crítica acerca da obra do cineasta inglês. Para surpresa de muitos, Hitchcock aceitou o convite. São essas entrevistas, iniciadas em meados de 1962, que formaram “Hitchcock/ Truffaut”, o livro, cujo primeiro lançamento data de 1966. Posteriormente, Truffaut realizou uma nova edição, que denominou como definitiva, na qual incluiu trechos de cartas, conversas e outras entrevistas realizadas com Hitchcock sobre o restante de sua obra (originalmente, o livro encerrava-se após as discussões acerca de “Cortina Rasgada”).

O que interessa no livro, para além, obviamente, de algumas curiosidades dos bastidores da realização de cada filme, é a opinião crítica e algumas vezes mesmo severa que Hitchcock lança a muitos de seus filmes, alguns amados por mim, como os já citados “Um Corpo Que Cai” e “Disque M Para Matar”, além de “A Tortura do Silêncio” e “Pavor Nos Bastidores”.

E isso porque Hitchcock enxerga o próprio suspense com olhos críticos, fazendo diferenciações e apontando a forma errada e a forma correta de se construir um filme nesse gênero. Daí surgem explicações deliciosas da parte do cineasta, como quando diferencia os termos surpresa e suspense. De acordo com Hitchcock, um exemplo dessa diferença poderia ser dado quando duas pessoas estão conversando banalidades ao redor de uma mesa e, de repente, ocorre uma grande explosão, matando tragicamente as duas pessoas. Havia uma bomba embaixo da mesa, circunstância desconhecida tanto pelo público, como pelos personagens; ora pois, tal situação constitui uma surpresa. Já o suspense seria constituído de outra forma: o público sabe que enquanto aquelas duas pessoas falam sobre coisas banais e cotidianas, há uma bomba embaixo da mesa que pode explodir a qualquer momento. Isso leva o público a um sentimento de torcida, ou seja, leva o público a pensar algo como “Há uma bomba embaixo da mesa, parem de falar banalidades e saiam já daí antes que acabem mortos!”. Isso é o que Hitchcock chama de suspense: o conflito de emoções a que determinada cena leva o espectador, deixando-o tenso e cheio de expectativas.

Para além de tudo isso, a longa conversa entre os dois cineastas nos faz perceber também algumas características pessoais de Hitchcock; que, por exemplo, ele é um homem que conserva muitos medos, em especial da polícia, que tem algumas dificuldades em falar diretamente sobre o sexo e sobre como a temática está presente dentro de seus filmes, que casou-se virgem e que durante toda a vida só teve contato sexual com uma única mulher. Todas essas informações vão crescendo ao longo do livro e vão também ajudando Truffaut e os próprios leitores a criar uma imagem desse gênio, esse homem que por anos nos assombrou com histórias macabras, mirabolantes e assustadoras. Esse homem que, ele próprio, era naturalmente um medroso, que temia muito mais coisas do que estava apto a admitir.

O livro também é interessante para aqueles que querem saber acerca das musas hitchcockianas, de seu perfil e da predileção do cineasta entre tantas loiras finas e fatais. Ao longo do livro percebemos que Hitchcock guardas boas recordações de Joan Fontaine e, em especial, de Grace Kelly, de fato a musa definitiva do cineasta e a que melhor representa seus ideais de heroína cinematográfica. Ao longo das entrevistas abordam-se também outras estrelas como Ingrid Bergman, Vera Miles e Tippi Hedren que, se não despertam especificamente a ira de Hitchcock, como Kim Novak, também não são merecedoras de maiores elogios.

Ingrid, que durante anos foi uma das musas de Hitchcock, tendo feito três filmes ao lado dele, entre eles “Interlúdio”, perceptivelmente um dos filmes preferidos do diretor entre sua vasta filmografia, parece nunca ter sido, de fato, perdoada por Hitchcock quando esta o trocou por Roberto Rosselini que, para o mal dos pecados, também era cineasta.

Vera Miles, que Hitchcock pretendia transformar em estrela, ficou grávida justamente quando se iniciariam as filmagens de “Um Corpo Que Cai”, filme que havia sido totalmente concebido para ela. Apesar de, posteriormente, Vera ter tido um papel de certo destaque, como a irmã de Marion Crane (Janet Leigh), em “Psicose”, o próprio Hitchcock confessou a Truffaut no livro que após o episódio de “Um Corpo Que Cai, ele perdeu o interesse por Vera Miles pois “não havia mais ritmo”.

Já Tippi Hedren é outro caso. Quando concebeu “Marnie, Confissões de Uma Ladra”, Hitchcock o fez pensando em Grace Kelly para o papel central, realizando assim o retorno desta às telas do cinema, que Grace havia abandonado desde o casamento com o Príncipe Reinier. Só que, por força de alguns contratempos, Grace não pode aceitar o papel, abandonando definitivamente o cinema, e Hitchcock teve que dar o papel-título de seu novo filme a Tippi Hedren, com quem já havia trabalhado em “Os Pássaros”. Dizem que a pretensão do cineasta, com tal atitude, era a de fazer de Tippi Hedren sua nova musa, algo como a substituta de Grace Kelly. Acontece que o fracasso de “Marnie” e a própria insatisfação de Hitchcock com o resultado final do filme acabaram fazendo com que este perdesse o interesse por Tippi de forma que a atriz nunca mais trabalhou com o diretor depois deste filme.

O fato é que, depois de “Psicose” nenhum dos outros filmes de Hitchcock atingiram o nível de sucesso de público e crítica esperado. Mesmo “Os Pássaros”, considerado por mim e por muitos outros como um de seus melhores filmes, não era muito querido pelo diretor e, concebido como filme comercial, não atingiu o sucesso esperado. “Marnie” seguiu o mesmo caminho, só que nele o fracasso foi ainda maior, mesmo Truffaut defendendo de forma veemente o filme e o classificando como “um grande filme doente”. “Cortina Rasgada”, o trabalho seguinte, também não foi bem recebido, em especial porque neste filme o estúdio interviu no trabalho de Hitchcock a ponto de fazê-lo aceitar Paul Newman e Julie Andrews como as estrelas do filme. O que se seguiu foi ainda pior: “Topázio” fez com que Hitchcock fosse imensamente criticado, tanto pelo público quanto pela crítica, constituindo um dos maiores fracassos da carreira do diretor. Saiu-se melhor com “Frenesi”, filme que marcou seu retorno à Inglaterra; o filme foi apresentando no Festival de Cannes em 1972 e conseguiu uma boa acolhida pela crítica. Em seguida, filmou “Trama Macabra”, filme que constitui um diferencial em sua filmografia, devido à ousadia de sua narrativa (duas tramas paralelas distintas que, em um determinado ponto, se cruzam), mas que não alcançou feitos maiores.

Curioso observar que, já à época que beirava sua morte, Hitchcock pretendia realizar ainda mais um filme, intitulado The Short Night, para o qual planejava contratar Liv Ullman e Sean Connery, após ter sondado, já em 1970, Catherine Deneuve e Walter Matthau para os papéis-centrais. Acontece que as dificuldades da filmagem, que também adivinham do fato da esposa e do próprio Hitchcock encontrarem-se bastante debilitados nas questões de saúde, fizeram com que o diretor acabasse desistindo de tal empreitada.

A leitura de Hitchcock/ Truffaut, nos permite enxergar o cineasta como ele realmente era: um gênio que nunca sossegou, que fez filmes maravilhosos, ao mesmo tempo em que cometeu alguns grandes erros. Nota-se, entretanto, que os erros de Hitchcock vieram não por comodismo, mas sim pela insistência em continuar criando, em continuar se aprimorando e em procurar, cada vez mais, formas diferentes de filmar as cenas de suspense que tanto amava.

A vida de Hitchcock eram seus filmes, as cenas que constituía em sua mente, os roteiros que construía, os astros que tanto gostava e que tanto eram presentes em seus filmes, desde Jimmy Stewart e Cary Grant até Grace Kelly e Joan Fontaine. O cineasta e o homem Hitchcock eram uma pessoa só, assim como sua história era uma história só, aquela que contava sempre em seus filmes. Não é de se estranhar que importantes cineastas da atualidade, como Brian De Palma, por exemplo,reverenciam, idolatram e são imensamente influenciados por Hitchcock e por todo o seu trabalho. Ao lado de Chaplin, o maior nome do cinema inglês, Hitchcock não foi apenas um grande mestre do suspense, foi um grande mestre da arte do entretenimento, da diversão e, por que não?, dos filmes comerciais elevados ao nível da mais pura arte.

Este post é dedicado à Lanchoni Alves, Mariana. You know why.

Então é Natal, como canta Simonão

2009-12-24T04:59:00.000-08:00

É Natal, essa época cafona, afetada, falsa, mas cheia de comidas gostosas! Não tenho muito mais o que escrever aqui; apenas desejo que todos nós sobrevivamos ao Natal e a todas as situações proporcionadas por ele, e que no dia 26 possamos respirar aliviados, sabendo que tudo já passou.

Fica aqui, como presente, a revelação da verdadeira identidade de ninguém menos que Katylene, nossa deusa e diva absoluta. Não, o off de Katylene não é trava! Apresento-lhes, caríssimos, Daniel Carvalho!

Feliz Natal a todos!

Som dos trópicos

2009-12-22T18:11:00.000-08:00

Hoje eu acordei pensando no mistério da lagarta,

impávida sai do casulo, crisálida..

Criação do último instar,

pra falar de borboleta imperial,

borboleta imperial,

borboleta imperial.

Olha só o que aconteceu:

sua leveza encheu meus olhos de borboleta imperial,

borboleta imperial,

borboleta imperial.

(Luisa Mandou um Beijo - "Borboleta Imperial")

Oh não! Agora eu entendi

você vai hesitar, mas tem que concordar

Eu sei, você também tem seus motivos

esqueça tudo isso e então vamos dançar

Talvez tudo que eu disse não tenha sentido

meu bem, não se preocupe que depois eu te explico.

(Vivendo do Ócio - "Oh Não!")

O que mais admiro na minha personalidade musical é o fato de não guardar nenhuma espécie de preconceito com os variados estilos musicais existentes. Daí o porquê de eu conseguir gostar, ao mesmo tempo, de artistas totalmente diferentes, e de músicas ainda mais distintas.

Dentro dessa salada rítmica que é minha playlist, convivem tanto cantores internacionais, americanos, ingleses, franceses, suecos, finlandeses, escoceses, quanto os grandes intérpretes desta terra na qual nasci e me criei. E aqui posso citar desde Elis, Gal, Caetano, Bethânia e Chico, até Elba, Ney, Cazuza ou mesmo Vanusa.

Esse ano me deparei com duas bandas que gostei muito: a Luisa Mandou um Beijo e o Vivendo do Ócio. Essas duas bandas tem sons bastante diferentes (mais uma evidência do meu escancarado ecletismo), mas que basicamente se pautam no bom e velho rock 'n' roll.

A Luisa Mandou um Beijo faz uma espécie de pop indie tropical, com doces vocais femininos, aliados a letras ao mesmo tempo poéticas e misteriosas. Uma primeira audição pode remeter o ouvinte a outras bandas consagradas do cenário rock brasileiro como (blargh!) Los Hermanos ou mesmo Pato Fu. Mesmo assim, a Luisa tem méritos próprios, como os excelentes vocais de Flávia Muniz e um excelente e criativo instrumental. O site oficial da banda, inclusive, tem muitas coisas interessantes sobre elas e é um bom ponto de partida para quem está interessado em conhecer seu trabalho.

A Luisa tem dois álbuns lançados, um de 2007 e outro de 2009, ambos batizados com o próprio nome da banda. Até o presente momento só ouvi o CD de 2009, que recomendo bastante, em especial a já citada acima "Borboleta Imperial", "Mar Sem Sal" e "Mar Bravio", apesar de que todas as 14 faixas do álbuns são boas e merecem uma devida apreciação. Ah, e não, não há uma Luisa na banda, e tampouco sabe-se para quem é que ela mandou um beijo. Fica o mistério no ar.

Já a Vivendo do Ócio, que inclusive concorreu a uma categoria do VMB da MTV desse ano, faz uma espécie de rock que já foi comparado inclusive a Arctic Monkeys, sendo que o próprio vocalista já assumiu sua predileção pelo som dos caras. Para além disso, eles citam como influências uma calderada de gente boa, onde se incluem além do Arctic, David Bowie e outros. O resultado é um rock saltitante, feliz, fortemente influenciado pela cena do pós-punk e mesmo pelo rock característico da new wave.

A Vivendo do Ócio também possui dois CDs lançados, sendo que eu tive a oportunidade de ouvir um deles, dos quais destaco, especialmente, "Fora Mônica", "Oh Não!" e "Meu Precioso", canções que parecem ser infalíveis ao vivo, induzindo a galera rapidamente a pular, dançar e, por que não, jogar a cabeça ao ritmo da música. Sim, sim: como disse Mick Jagger é apenas rock 'n' roll, mas eu gosto, sim, eu gosto.

Seguem dois vídeos representativos dos sons das duas bandas e que, espero, sirvam para atiçar a curiosidade de vocês e fazê-los sair correndo procurando o link mais próximo para realizar o download.

Luisa Mandou um Beijo - "Mar Sem Sal"

Vivendo do Ócio - "Fora, Mônica"

Humor

2009-12-22T14:31:00.001-08:00

Depois quando falo que Dani Calebresa e Marcelo Adnet são o futuro do humor brasileiro, tem gente que bate o pé.

2009 foi dela

2009-12-22T09:42:00.000-08:00

Alguns idolatram, outros criticam, uma parte guarda ressalvas, enquanto uma ínfima parcela tenta ignorar ou se fazer de desentendida. Seja qual for a sua conexão ou os seus sentimentos por Lady Gaga, o fato é que ela dominou os holofotes esse ano e foi, indiscutivelmente, a grande estrela de 2009. Uma estratégia de marketing genial, atrelada a esquisitices próximas ao over, ajudado também por um bom embalo pop e por bons videoclipes, Gaga apareceu em todos os tipos de programa e foi assunto em todos os tipos de roda. Caiu na boca do povo, apareceu no "Fantástico" e, um ano após o lançamento do seu primeiro álbum, "The Fame", parece finalmente ter conquistado o grande público.

Sinceramente, tenho bons sentimentos em relação a Lady Gaga e deposito grandes esperanças na moça. É fato que depois de David Bowie e Madonna, o mundo pop ficou sedento por um novo popstar que pudesse se equiparar aos outros no quesito influências e qualidade de som. Não estou querendo dizer que Gaga, no comecinho de sua carreira, já pode ser equiparada aos outros dois: nada disso. O que quero dizer é que, em plenos anos 2000, um mundo já acostumado com artistas apáticos e sem expressão ou marca verdadeira, se surpreenderam com Gaga, com seu entusiasmo, sua alegria, sua esquisitice e, por que não?, por seu irresistível apelo pop.

Quando olho para Gaga vejo similaridades entre muitas coisas que Bowie e Madonna fizeram no início de carreira: escândalo, androginia, personagens, extravagância. Até a receptividade pouco calorosa por parte de alguns é a mesma. E, quem a tem observado nos últimos tempos, andou percebendo que, cada vez mais, ela está se tornando "clean", abandonando aquele que é seu estilo, quem sabe já à procura de um novo, exatamente como Bowie fez nos 70 e Madonna nos 80.

É fato que Gaga ainda é uma principiante, com apenas dois álbuns lançados, e criar muitas expectativas em cima dela pode, talvez, levar a uma tremenda decepção. Mas, na atual safra de popstars, apostar em Gaga parece ser a única solução. Prova disso é que a única artista feminina que em 2009 possível de ser posta ao lado de Gaga é Beyoncé. Mas o fato é que Beyoncé já é outro caso, pois já tem seu reinado estabelecido nos EUA, onde é diva absoluta e sucesso certeiro, o que tornam os feitos de Gaga ainda mais majestosos e dignos de aplausos.

E para dizer que a moça não é só pacote e embalagem, há de reconhecer sua boa voz, sua teatralidade (herança de Vovó Bowie) e a capacidade para criar boas canções pop, como "Poker Face" ou "Just Dance". Isso sem falar dos clipes originais de "Paparazzi" e "Bad Romance", e das performances ao vivo - "Paparazzi" no VMA e "Speechless" numa cerimônia especial à Rainha da Inglaterra. Ressalta-se também a qualidade de seu segundo álbum, "The Fame Monster" que, para além de trazer novamente as canções do seu primeiro álbum, insere mais oito músicas dignas de nota, como a sublime "Dance In The Dark".

Ou seja, criatividade a moça tem. Vontade de trabalhar também. Um público sedento por um novo ídolo, me parece bastante óbvio. O que resta a Gaga é saber administrar bem as coisas e continuar realizando seu bom trabalho. A nós, ou ao menos a mim, só resta esperar. De dedos cruzados, diga-se de passagem.

Argento em dose dupla

2009-12-21T20:49:00.000-08:00

Nada é mais prazeroso para mim do que descobrir o trabalho de cineastas, sejam eles novos, antigos, populares ou cults. Estou vivendo isso mais uma vez com o italiano Dario Argento. Argento é nome conhecido para aqueles que entendem um pouco de filmes e, principalmente, para os fãs dos gêneros terror e suspense, e também de suas milhares de subespécies.

Já vi três filmes de Dario, mas nesse post vou focar nos dois mais recentes e que refletem momentos diferentes da carreira do diretor: "Gato de Nove Caudas", de 1971, um dos primeiros filmes de Argento, e "Giallo - Reféns do Medo", seu último trabalho no cinema.

O bacana de assistir a esses dois filmes, de momentos tão distintos na carreira de um diretor tão importante, é poder observar as mutações sofridas por Dario e também aquilo que ele mantém durante o passar do tempo. Lembremos que, para além de um mestre do terror e do suspense, o trabalho de Dario Argento também influenciou diretores variados, como por exemplo Pedro Almodóvar; ou seja: não estamos falando de qualquer um.

Em relação a "Gato de Nove Caudas", podemos dizer que ele traduz de forma única o gênero "giallo" do qual Argento é grande representante. Não trata de eventos sobrenaturais; pelo contrário, é uma típica história policial, cheia de investigações, reviravoltas e pistas falsas. A história gira em torno de uma investigação de uma série de assassinatos ligados a uma indústria farmacêutica, encabeçada por um repórter e por um jornalista cego aposentado. Aqui, para além de se observar as maravilhosas resoluções visuais de Argento (observem com atenção a sequência de abertura, na qual o cego e a sobrinha caminham na rua), percebe-se também uma criatividade no uso da câmera, na conexão estabelecida entre as cenas. E, claro, um roteiro afiado, na medida certíssima para ser trabalhado na e pela mente de um jovem e brilhante criador.

Já "Giallo - Reféns do Medo" é diferente. Assim como "Gato de Nove Caudas" não trata de eventos sobrenaturais, da mesma forma como ambas as tramas são essencialmente policiais. Entretanto, a forma como Dario aborda o tema aqui é bem diferente, fruto claro das experiências vividas ao longo dos anos e também das experimentações realizadas há tempos dentro do gênero terror/suspense. "Giallo" é perfeito? Não, não é. A começar pelo roteiro, que nos remonta à clássica história de serial killer transtornado por episódios traumáticos da infância. Do outro lado, temos um policial inescrupuloso e duro (Adrien Brody, aliás, magnífico), e que sofre mais ou menos dos mesmos dramas. Tem também a bela mocinha, que a qualquer momento pode ser morta pelo assassino. E tem a irmã (a sempre bela Emmanuelle Seigner) que une forças ao policial na esperança de encontrar a irmã com vida.

Nas mãos do cineasta errado, tal premissa renderia um gêmeo de bobagens tais como "Jogos Mortais" ou "O Albergue". Felizmente, Argento consegue driblar tais artifícios e se faz uso de algumas cenas de tortura ou sadismo, o faz com controle e sem exagerar nas mutilações (o que não acontece em "O Albergue", por exemplo). E prestem atenção a algumas cenas, maravilhosas e esplêndidas: Linda (Seigner) entrando no apartamento de Celine, sua irmã, pela primeira vez e indo até a sacada; a câmera se levantando e nos mostrando aonde é que Celine está enclausurada; e a cena final, simplesmente genial, surreal e, mesmo, aterrorizante.

O outro filme de Argento que vi foi "Mansão do Inferno", de 1980, mas esse merece um post à parte. Eu mesmo admito que ainda não digeri totalmente o filme e, por isso mesmo, ainda não me sinto seguro para falar das minhas considerações acerca dele a vocês. O que ouso dizer é que, sim, Argento é fascinante e brilhante e, certamente, caminha para ser mais uma das minhas paixões cinematográficas. Resta, ao final, recomendar de forma veemente seus filmes, em especial os dois que citei acima. E também desejar calma e obstinação: o mundo de Argento nem sempre é fácil ou instantâneo. Mas garanto que, até o presente momento, me tem sido gloriosamente fascinante.

Por que eu sempre volto para "Éramos Seis"

2009-12-21T13:46:00.000-08:00

Ontem à noite, on line no MSN, disse a uma amiga que tinha passado um domingo extremamente brega, e era verdade. Não, não, de forma alguma alguma passei meu dia de mocassim franjado ou coisas do tipo. Acontece que ontem, domingo, dia 20 de novembro, passei meu tempo relendo o livro "Éramos Seis", de Maria José Dupré, e chorando pelo menos a cada cinco páginas.

Sim, é brega, e eu admito isso. Mas o fato é que li "Éramos Seis" a primeira vez quando tinha uns 11, 12 anos e, à época, ele se tornou meu livro favorito e eu me orgulhava disso, comentando com amigos de escola, ônibus, bairro, etc. Hoje, ainda sinto um carinho muito grande pelo livro e, se ele não é mais meu favorito, está entre meus favoritos. Muitos criticam a obra por sua "pieguice" e excesso de sentimentalidade, linguagem inadequada, etc, etc. Eu sei das limitações de "Éramos Seis", mas para mim essas limitações contribuem para tornar a obra ainda melhor, ou seja, atestam sua autenticidade.

Tanto a personagem principal de "Éramos Seis", Dona Lola, quanto a autora Dupré, são ambas oriundas de cidades interiorianas, como eu, e, da mesma forma como eu, habituadas a determinados hábitos, modos e costumes que são máximas dentro do comportamento da região. Isso, com certeza, faz com que eu me identifique com a obra, ainda mais pela sua narração em primeira pessoa. Quando Dona Lola começa a narrar a passagem do tempo, as visitas a parentes ricos, o trabalho excessivo, a conta alta no fim do mês e o dinheiro pouco, a impossibilidade de dar presentes aos filhos no Natal e esses outros contratempos familiares, me é difícil não fazer associação com muitas pessoas que conheci, mesmo minha avó ou mesmo minha mãe. Isso sem falar que a linguagem utilizada por Dupré, cheia de saudosismo e sentimentalidade, traduzem de forma única o devotamento da mulher, mãe e esposa, para atender sempre ao bem-estar da família.Acho que a soma de tudo isso é o por quê de "Éramos Seis" ainda me emocionar, mesmo já se passando longos 9 anos desde que o li pela primeira vez. Ainda hoje quando leio o livro, já meio amarelado pelo tempo, consigo sentir a mesma sensação de anos atrás, quando ainda descobria o que era a arte da literatura, sem saber ao certo o que o futuro me guardava. E é por isso que eu sempre "volto" para "Éramos Seis". Podem criticar o quanto quiserem, detonarem o quanto quiserem, chamar de cafona, piegas, antiquado. Mas eu continuo gostando. E esse motivo é só meu - motivo pelo qual "Éramos Seis" será sempre o "meu" livro.

Em tempo: li em um blog que Marcos Caruso e Jandira Martini estão pretendendo fazer um filme baseado na obra. Até aí tudo bem: confio no talento dos dois, tanto como atores quando como autores. O problema é que parece que já confirmaram a múmia de Tarcísio Meira para o papel de Júlio, marido de Lola. Não bastasse tudo o que tenho contra ele, Tarcísio não tem mais idade para o papel e, certamente, vai comprometer o longa. Ao que parece, Irene Ravache está cotada para assumir mais uma vez o papel de Lola (Irene já assumiu esse papel na novela exibida pelo SBT, no início dos anos 90), o que me deixa tranquilo, pois Irene, além de uma grande atriz, não envelheceu demais e não aparenta de forma escancarada a idade que tem. É rezar no milho e esperar.

Homossexualidade sem frescuras

2009-12-21T06:32:00.000-08:00

É assim que eu defino alguns dos últimos filmes que vi durante a minha primeira semana de férias: "C.R.A.Z.Y. - Loucos de Amor" e "The Country Teacher". O primeiro é conhecidíssimo e dispensa qualquer tipo de apresentação; conta a história de um menino, a descoberta da sexualidade, a luta para reprimir os desejos sexuais, a incompreensão do pai, o carinho da mãe, a chatice dos irmãos e... a cena rock dos anos 70/80! "C.R.A.Z.Y." é um filme tão gostoso, tão sincero, tão belo que, mesmo o tema ainda sendo um pouco nebuloso, ele é capaz de dar uma veia poética e muito sóbria a ele.
Destaco abaixo a cena mais linda do filme ou, ao menos, a que mais martelou na minha cabeça:

Já "The Country Teacher" é um filme tcheco que eu creio não ter sido lançado no Brasil ainda (e tenho dúvidas de que realmente será) que narra a história de um professor gay que, tentando fugir do ex, da figura da mãe e, obviamente, buscando um sentido para sua vida, larga toda sua vida em Praga e passa a viver no campo. Lá faz amizade com uma mulher mais velha que tem um filho adolescente. Acontece que o tempo passa e o professor começa a sentir-se atraído pelo rapaz. A partir daí desenvolve-se o filme. Não dê bola à sinopse que remete a um chavão... eu mesmo tive receios em baixar e depois em ver esse filme. Mas a sensibilidade com que o assunto é tratado e as boas interpretações dos atores, todos desconhecidos, seguram a onda e, por que não?, emocionam.
No fim das contas, é mais um filme sobre descobrir e encontrar a si mesmo. Mas sou apaixonado por esse tema, não tem como... Fica a dica para todos.

Esse é o trailer de "The Country Teacher". E com legendas em inglês!

Post de volta

2009-12-06T15:02:00.000-08:00

O ano está acabando, as provas estão acabando. Tudo parece caminhar para a mais bela paz das férias de verão. Eu, com zilhões de filme para assistir, fico ainda mais grato. Se 2009 pudesse ter um nome só para mim, esse nome seria "superação". Com certeza, foi o primeiro ano em que me comprometi a fazer coisas diferentes e a fazê-las da melhor forma possível. Olhando para trás, vejo que cada momento de stress, cada dificuldade, tudo aquilo de que abri mão valeu a pena, de forma absoluta. Agradeço a todos que me apoiaram nas minhas decisões, nos meus momentos de dificuldade, nos de alegria, nas brincadeiras, bebedeiras, tudo.

Bom, mas como o próprio nome diz esse é um post de volta. Tentarei, de agora em diante, postar aqui sempre que possível, nem que seja para escrever apenas um parágrafo sobre o que achei de um determinado filme.

E para comemorar isso, nada melhor que um videozinho do YouTube. Divirtam-se!

E para aproveitar a inspiração...

2009-10-14T22:33:00.000-07:00

Start off sometimes now it's our time
Are you with me?
Are you with me?
Strange teenager, waiting for death at 19
Are you with me?
Are you with me?
I'm with you and there's nothing left to do
Tell me it's true
I'm with you and the stars are crashing through
Tell me it's true
I want everything with you!
Now your someone says you're no one
Are you with me?
Are you with me?
Strange teenager, you'll never know death at 19
Are you with me?
Are you with me?
I'm with you and there's nothing left to do
Tell me it's true
I'm with you and the stars are crashing through
Tell me it's true
I want everything with you!

Música e clipe, simplesmente, maravilhosos. Post especial para você Laís Samurai, ex-Blackbird.

The Pains Of Being Pure At Heart (2009)

Discoteca Básica

2009-10-14T22:07:00.000-07:00

Sei que estou sumido e que há séculos não faço um post ou visito meu próprio blog. Sim, sei também que a poeira e as teias de aranha estão tomando conta desse lugar, com todos se e me perguntando se desisti e se meu blog é coisa do passado. Bem, não é, entendam. Mas é que sofro de uma preguiça virtual crônica: adoro pensar em coisas interessantes para escrever e compartilhar, mas na hora de sentar na frente do PC e abrir a mente a moléstia bate.

Hoje resolvi tomar vergonha na cara: seria um lixo se fizesse um post de fim de ano, apenas apontando filmes, livros, CDs que eu gostei - para fazer apenas isso o melhor seria mesmo desistir de ter um blog.A partir disso, de todo esse emaranhado de pensamentos pulsantes e mesmo estranhos, decidi conceber uma nova espécie de "coluna": a "Discoteca Básica", mais uma idéia sugada da finada (e eternamente amada) revista BIZZ. Enfim, nessa coluna eu vou discorrer sobre discos que foram fundamentais para a música em si, mas principalmente para a minha formação como metamorfose ambulante de pop e rock. E para começar, nada melhor que os Pixies, com seu maravilhoso Doolittle.

Todo mundo hoje em dia já deve ao menos ter ouvido alguma coisinha sobre os Pixies, quem eles eram e o quão importante foram. Para os leigos basta saber que os Pixies definiram o formato da canção rock 'n' roll para os anos 90. Sem eles, a cena alternativa que vimos na década passada e vemos hoje em dia jamais seria a mesma. Isso porque os Pixies souberam unir o peso do rock com a doçura de um apelo pop irresistível - prova disso são as pauladas deliciosas "Debaser" (que abre Doolittle com muita força) e "Tame", influencia clara para bandas como o Architecture in Helsinki, por exemplo. Mas eles vão além.

Donos de letras viciantes, eles fazem uma platéia ou mesmo um garoto de 13 anos vibrar com a "ingenuidade" de "Here Comes Your Man", ou mesmo com o "romantismo" de "La La Love You" (sim, eles também definiram o cinismo da canção de amor alternativa). Mas Doolittle é ainda mais que isso: desde "Wave Of Mutilation", falando sobre suicídio, até letras totalmente nonsenses como a de "Monkey Gone To Heaven", o que se houve é uma banda sem medo de arriscar e sem medo de fazer noise grudento e pegajoso.

Pode-se dizer que, ao lado do Sonic Youth, os Pixies foram os principais responsáveis pelas bandas alternativas que se seguiram. Perfeição é pouco. Doolittle é perfeito, intocável, inatacável. Uma obra-prima do rock que você não pode de forma alguma perder.

Pixies - Doolittle (1989)

E Deus criou Cate...

2009-08-04T22:58:00.000-07:00

Queria aproveitar esse post para falar daquela que, além de ser uma das minhas atrizes favoritas, é hoje também devidamente reconhecida como uma das maiores atrizes de todos os tempos. Quem acha que eu estou me referindo a alguma atriz clássica, dos anos 40 ou 50 se enganou, embora existam outras grandes estrelas dessa época que eu admiro muito, como o mito Bette Davis, por exemplo. Eu me refiro a uma atriz que, apesar de já estar na casa dos 30, indo para os 40, eu considero da minha geração (e me orgulho disso): a australiana Cate Blanchett.

Embora o cinema de hoje em dia esteja razoavelmente bem servido de atrizes que são bastante competentes e talentosas (Jennifer Connelly, Kate Winslet, Ellen Page, só para citar algumas), Cate é um nome forte, que se destaca em relação às demais. Cate é uma atriz vigorosa, tem presença em cena, magnetiza, eletriza, chama a atenção para si e é dona de um dos timbres de voz mais marcantes da história do cinema, além de ser capaz de mudá-la e moldá-la de uma forma assustadora (quem viu “O Segredo de Berlim”, sabe!). Mas o que verdadeiramente diferencia Cate de atrizes como, por exemplo, Angelina Jolie é que ela sabe como ninguém escolher um papel. Angelina é uma grande atriz, mas excetuando “Garota, Interrompida” e “A Troca” – filmes pelos quais, respectivamente, ganhou e concorreu ao Oscar – poucos ou nenhum de seus numerosos outros papéis parecem ter sido realmente relevantes. O mesmo mal parece assombrar Nicole Kidman (dedos cruzados para que “Rabbit Hole” seja bom!) e Hilary Swank (alguém se lembra do que mais ela fez além dos dois filmes pelos quais ganhou um Oscar?). Cate, pelo contrário, parece conduzir sua carreira de uma forma magistral.

Claro que nem todos os filmes de Cate são maravilhosos. Ela concorreu ao Oscar ano passado por “Elizabeth: A Era de Ouro”, no qual repetiu o papel da Rainha Elizabeth, que também já lhe havia rendido uma indicação em 1998 (perdeu, inexplicavelmente, para Gwyneth Paltrow), que eu não assisti. A maioria da crítica, entretanto, não foi muito positiva ao filme, pelo contrário: cheguei mesmo a ler algumas que o detonaram de forma absoluta. Mas a maioria delas foi unânime ao elogiar o bom desempenho de Cate em cena. Há ainda mais exemplos de filmes medianos dos quais Cate consegue se sobressair. “O Dom da Premonição”, do diretor Sam Raimi, traz Cate no papel de uma cartomante que ajuda a desvendar um caso de desaparecimento. O filme começa bem, mantendo um ótimo suspense, mas no final acaba se perdendo e termina de uma forma bastante decepcionante. Já em “Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal”, quarto filme da saga de Spielberg, Cate ataca como a vilã (creio que) ucraniana da história. O filme não é a oitava maravilha do mundo, claro, mas como matinê funciona bem; tanto que suas mais de duas horas de duração nem se fazem sentir, diante da ação ininterrupta e da quantidade exacerbada de paisagens que são colocadas a frente do telespectador. Super-contida e dominando expressões faciais impressionantes no primeiro, e louca, pirada,

com um visual e um sotaque irreconhecível (e delicioso) no segundo, Cate é o tempero que faz com que tudo se torne mais palatável, mais assistível, mais curtível ou, simplesmente, mais interessante.

Por outro lado, quando o talento de Cate se junta a bons argumentos e a uma direção correta, o resultado é arrebatador. Em pelo menos três de seus filmes (dos que eu vi, obviamente) Cate chega próxima do sublime. O que chega mais perto é “Sob o Efeito d’Água”, filme independente, pouco conhecido e pouco divulgado. Uma imensa pena, pois se trata de um dos filmes mais sensíveis, inteligentes e magnéticos com os quais me deparei esse ano. No papel de uma ex-viciada em heroína que tenta reconstruir a sua vida – uma vida que, talvez, nunca tenha verdadeiramente existido – ela dá um show, rouba as cenas, hipnotiza; nenhuma outra atriz consegue encarnar a eterna propensão do ser humano à infelicidade de forma tão fria, direta e crua como a que Cate faz nesse filme. Ela também flerta, de certa forma, com o mesmo tema em “Babel”, terceiro e último episódio da aclamada trilogia do diretor Alejandro González Iñárritu, ao interpretar a americana que viaja pelo Marrocos junto do marido (Brad Pitt) e que acaba sendo vítima de um tiro disparado por engano por dois meninos. É certo que a participação de Cate não domina todo o filme, afinal, de todos os três filmes esse acaba sendo o que tem mais personagens e tramas que acabam se interligando por um determinado motivo. Acontece que, tendo a difícil tarefa de driblar uma interpretação bastante convincente de Pitt (em um de seus melhores trabalhos), Cate sobressai e consegue dar a sua personagem o exato tom amargo e desesperado que ela pede, sem nunca resvalar na pieguice ou naqueles gritos histéricos, típicos de atrizes frouxas que acham que colocar emoção em uma cena é descarregar nela berros dignos da Mariah Carey (...). Em “Não Estou Lá”, último filme de Cate que vi, ela impressiona ao interpretar uma das facetas do eterno Bob Dylan, na ousada e original cinebiografia idealizada por Todd Haynes, diretor de “Velvet Goldmine”. Sim, ela faz o papel de um homem – com mais virilidade que muito menininho que temos por aí, diga-se de passagem – mais precisamente do cantor Jude, que ao, aparentemente, abandonar as raízes de sua música e seu idealismo, acaba por provocar a ira dos fãs e dos jornalistas. É de Cate, justamente, a cena mais divertida do filme, que mostra, rapidamente, um encontro entre Jude e os Beatles em Londres (os garotos de Liverpool saem correndo e depois vemos na rua que eles fogem de uma legião de fãs ensandecidos). Mais inacreditável que a surpreendente interpretação de Cate (que, aliás, lhe valeu uma indicação ao Oscar de melhor atriz coadjuvante, em 2008) é que a imagem de Bob Dylan melhor delineada, e a que mais fica marcada e viva na nossa memória é justamente a dela, uma mulher. Cate deixa no chinelo e apaga outros atores do elenco, como Richard Gere, Christian Bale (okay, admito que esses até Angelina Jolie em seus momentos menos inspirados conseguiria deixar no chinelo) e até mesmo o saudoso Heath Ledger. O filme É dela, e Dylan É ela, não há como negar.

Não vi o filme pelo qual Cate levou o Oscar de coadjuvante, o badalado “O Aviador”, do Scorcese, no qual ela interpretou a mítica atriz Katherine Hepburn. Mas vi outros, todos muito

bons, como “O Segredo de Berlim”, uma pérola perdida, projeto totalmente anti-comercial e inteligentíssimo realizado por Steven Soderbergh, “Desaparecidas”, vigoroso faroeste dirigido por Ron Howard, “Vida Bandida”, uma comédia divertidíssima, na qual Cate vive uma dona-de-casa neurótica, e o mega-sucesso “O Senhor dos Anéis”, em que deu vida a Rainha dos Elfos, Galadriel. Até mesmo em um drama romântico aparentemente normal, como “Charlotte Gray – Um Amor Sem Fronteiras”, no qual contracena com o ótimo Billy Crudup, Cate consegue injetar algo a mais, um fôlego maior, talvez.

Cate tem muito mais filmes, alguns bastante elogiados, como “Sobre Café e Cigarros” e “Paraíso”, que eu ainda não tive a oportunidade de ver, infelizmente. Mas se há uma coisa que eu aprendi, nesses meus 19 anos de existência, é a confiar em Cate. Quando vejo um filme com ela na locadora, ou vejo que está passando nos cinemas, não tenho medo de arriscar, porque sei que ao menos uma coisa boa o filme vai ter: uma interpretação brilhante de Cate, depois de Meryl Streep, a melhor atriz na ativa da atualidade.

Este post é dedicado a Wes/Léo e a Sama/Dani, amigos, companheiros do msn, do orkut e da vida, entusiastas do bom cinema e, como eu, totalmente pirados nessa australianazinha de voz vigorosa.

E eis que, quem diria!, Janet Jackson é muito foda

2009-08-03T23:08:00.000-07:00

Se há uma coisa boa em torno da morte de Michael Jackson, excetuando, obviamente, as explorações exageradas de programas de humor chulo e as notícias e factóides vomitados diariamente pelos “TVs Famas” da vida, é a possibilidade de levar ao maior número de pessoas possível o mito inquestionável e o talento exacerbado de um dos artistas mais importantes de todos os tempos. Para mim, no entanto, a morte de Michael não possibilitou isso. Dangerous, de 1991, foi um dos primeiros álbuns que eu comprei na vida, por sinal em um catálogo da Hermes, pelo maravilhoso preço de R$ 8,90 (as vizinhas tem que servir para alguma coisa, não?), e eu já havia tido contato com a maioria das músicas de Michael, com praticamente todos os seus clipes e também havia

visto uma das apresentações de sua turnê que passou pelo Brasil, a Dangerous. Tudo isso graças a uma invejável coleção de VHSs (não, você NÃO leu errado) de uma amiga conterrânea (existe vida inteligente em Novo Horizonte, sim), que continha também várias matérias, comerciais, trechos de entrevistas, enfim, materiais mil acerca de Jackson e curiosidades sobre a sua pessoa.

Portanto, se a morte de Michael não foi a responsável pela descoberta do seu trabalho pela minha pessoinha, o mesmo não posso dizer em relação à carreira de sua irmã, a caçula dos Jackson, Janet. Claro, eu conhecia algumas coisinhas de Janet, além de seu seio direito, diga-se de passagem, e sabia o mínimo do mínimo sobre ela, mas não o bastante para dizer que conhecia o trabalho dela e tinha uma opinião acerca dele. Agora, posso. Tanto que resolvi botar isso aqui.

É bom ir logo avisando: Janet não faz um som absurdamente diferente. Não tem letras minuciosamente elaboradas. Seus clipes são bons sim, mas não dá pra compará-los com o de gente como Michael, Madonna, Duran Duran, só pra citar alguns dos papas da MTV dos anos 80. Sua voz também não é das melhores: é fraquinha (apesar de eu a achar bastante agradável quando gravada), não consegue alçar vôos maiores e, ouvi dizer, é considerada por muitos como uma das rainhas do playback (muito embora eu me lembre de ter lido, na sempre amada revista BIZZ, uma crítica bastante positiva da turnê Rhythm Nation, que era categórica ao afirmar que Janet havia cantando, e bem, o show todo... vai saber...). O que essa Janet faz então, que merece ser colocado aqui? Janet faz música pop, pra dançar e pra cantar, com tudo de bom e de ruim que o termo acarreta. E por isso mesmo é bom.

Analisemos um de seus primeiros álbuns, Control, de 1986: ele nada mais traz do que o estilo de música que era moda na época, um pouquinho da new wave puxado pro lado pop que Madonna e Michael disseminaram pro mundo consumir, amar e abençoar. As músicas são longas, todas com mais de quatro minutos, algumas beirando os seis minutos, todas feitas para serem encaixadas naquele que se tornou não só um dos melhores veículos de divulgação para Janet, como também para o mundo: o videoclipe. Pelo que consta, vídeos de canções como “Control” e “Nasty”, normalíssimos para a gente que os tem a disposição 24 horas no YouTube, viraram verdadeira febre, sendo na época bastante apreciados e idolatrados. Impressionantes também os passos de dança de Miss Janet, que tentava à época ficar ao menos no mesmo nível de seu irmão Michael (deixemos as comparações de lado). Outro ponto interessante é notar que, mesmo tendo ao lado o toque de ouro dos produtores James Harris e Teddy Riley (com os quais ainda trabalharia nos 3 álbuns seguintes), Janet colaborou nas letras de grande parte das 9 faixas desse disco. O álbum foi um sucesso, principalmente nos EUA, e ajudou a colocar Janet definitivamente no rol dos artistas pop mais reconhecidos e bem-sucedidos da época. Nada mal, para quem, mesmo tendo opeso do sobrenome Jackson agregado e dois álbuns lançados, apenas começava.

Ano passado Janet lançou Discipline, seu trabalho mais recente. Desde Control até Discipline, não só se passaram 22 anos, como também toda a forma de se produzir um álbum pop eficaz e voltado ao sucesso (afinal, Janet faz música pra vender mesmo, e não pela “grandeza artística”, como Madonna, pateticamente, vive tentando fazer nos seus últimos trabalhos). Nada mais natural, portanto, do que Janet se adequar aos ritmos, grooves e sons que são moda no momento. Discipline, como o primeiro álbum de Janet, não traz nada de absurdamente novo no ramo da black music, nenhuma inovação maior, como as realizadas por gente como Missy Elliot e Justin Timberlake, por exemplo. Ainda sim, Discipline está certamente entre os cinco discos mais legais que escutei esse ano. E isso tudo porque ele é muito transparente: é simplesmente um álbum com boas músicas, algumas bastante sensuais, é verdade, mas no fundo, com um absurdo apelo pop, bom pra dançar, pra tocar no rádio e nas baladas ao redor do mundo. Janet não é fake. Ela sempre trabalhou dentro dos limites da música negra quando conclamava a paz universal em “Rhythm Nation” e quando flertava com o rock em “Black Cat” (um dos pontos altos do álbum Rhythm Nation 1812 e de toda a carreira de Janet). É possível até que se diga que, ao lado do irmão Michael e de gente como Stevie Wonder, Jay Z e Missy Elliot, por exemplo, ela é uma das principais responsáveis pela configuração da música negra atual, porque mesmo não sendo uma artista totalmente novidadeira e inovadora como os outros citados, é também graças a Janet, indiscutivelmente, que a black music de disseminou no mundo todo e acabou se tornando a febre que é hoje. Pode-se dizer que Janet, assim, acabou acendendo uma vela a Deus e outra ao Diabo.

Ouvindo músicas de Discipline, como os singles “Feedback” e “Rock With U”, e outras como “Rollercoaster”, “Can’t B Good” e “So Much Betta”, fica claro que Janet está anos-luz à frente de artistas passadistas e sem personalidade como Mariah Carey, por exemplo. Aqui Janet não grava com 50 rappers como Mariah faz; tanto que o único dueto que faz durante todo o álbum é um, extremamente bem-vindo, diga-se de passagem, com Missy Elliot, intitulado “The 1”. Janet não tem o potencial vocal de Mariah, é verdade. Mas de que serve um potencial vocal em alguém que só sabe esgoelar pra chamar a atenção e fingir “qualidade artística”? Janet também sai em vantagem quando tem seu último trabalho comparado com o último de ninguém menos que Madonna. Enquanto em Discipline há boas melodias e ritmos irresistíveis, que grudam no ouvido mas não enjoam instantaneamente, o contrário ocorre com o Hard Candy, de Madonna, onde as músicas mais parecem restos de estúdio de cantoras black novatas.

"Control", do álbum homônimo, de 1986:

"Rhythm Nation", do álbum Rhythm Nation 1812, de 1989:

"Feedback", do álbum Discipline, de 2008:

Por tudo isso tudo o mundo merece conhecer Janet melhor, principalmente os brasileiros, que me parecem totalmente alheios ao seu trabalho (alô, MTV!). E que ninguém me venha com aqueles papinhos de que “eu não gosto de musica pop” ou “é muito música da moda pra mim”. Jogue seus preconceitos e essas idéias bobas de lado e se jogue, sem medo ou vergonha. Tem muita coisa boa assinada por essa menininha (43 anos completados em 16 de maio desse ano) de voz pequena, corpo cheinho e rosto assustadoramente idêntico ao do irmão talentoso e falecido, e que vai sim fazer uma diferença, por menor que seja, na sua vida.

Ontem, hoje, amanhã e sempre

2009-08-03T16:38:00.000-07:00

Uma boa dica para aqueles que acham o cinema europeu parado e de difícil apreciação, é Ontem, Hoje e Amanhã, filme italiano de 1964, dirigido pelo mestre Vittorio De Sica (do clássico "Ladrões de Bicicleta"), ganhador do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e estrelado pela dupla mais famosa da Itália: Marcello Mastroianni e Sophia Loren (aquele que souber onde, como e quando encontrar um outro filme estrelado pelos dois, “Um Dia Muito Especial”, favor me contatar imediatamente!!!).

Encontrei esse filme em DVD no Wallmart aqui de Franca, pelo preço singelo de R$ 9,90, em meados de abril deste ano, mas apenas agora, em julho é que, aliviado, sem maiores pressões e com a devida paciência para apreciar os bons filmes, é que fui vê-lo. Devo dizer que eu mesmo me surpreendi bastante com ele. Na minha mente, “Ontem, Hoje e Amanhã” era um típico drama europeu – personagens fragmentados, ritmo lento, raras ou inexistentes explicações. Mas não: o filme nada mais é que uma agradável, deliciosa e impagável comédia. Claro, é uma comédia européia: nada de humor escrachado, preconceituoso e rastaquara, como o que os Estados Unidos – em sua grande maioria – venderam para o mundo assistir e abençoar. É uma comédia de situação, daquelas em que o humor vem mais dos simples fatos que acontecem com a gente no cotidiano, fatos em que, muitas das vezes, nós mesmos poderíamos ter vivido. Lembra um pouco Woody Allen, talvez pelo fato de, parece, o próprio Woody ter admitido que o cinema italiano dos anos 60-70 (em especial algumas coisas de Fellini) foi uma grande inspiração para seus filmes.

Voltando ao filme, “Ontem, Hoje e Amanhã” conta a história de três mulheres e de três homens, sem ligação direta um com o outro, todos interpretados por Sophia e por Marcello. Vendo o filme fica fácil entender o porquê de todo o burburinho que rolava em torno dos dois astros. Eles eram mesmo magistrais. Marcello então, nem se fala: é fantástica a transformação de personagens dele durante todo o filme, em especial a do segundo episódio (“Anna, de Milão”) para a do terceiro (“Mara, de Roma”). Sophia é um caso à parte. Eu mesmo nutria uma certa antipatia por ela (justificada pelo comportamento da estrela na cerimônia do Oscar na qual “Central do Brasil” concorreu e perdeu a estatueta de filme estrangeiro para “A Vida é Bela”). Entretanto, impossível não se render a ela nesse filme. Atriz estupenda, versátil, ainda era absurdamente linda. Talvez no bronzeado de Sophia é que esteja a

inspiração para a cor de canela de Sônia Braga, na clássica telenovela “Gabriela”. E Sophia consegue ser linda interpretando papéis variados como os de uma milionária, de uma dona-de-casa e de uma prostituta. Não é – definitivamente – para qualquer uma.

A primeira história que acompanhamos é a Adelina (Sophia), uma típica dona-de-casa de Nápoles. Casada com Carmine (Marcello), ela é condenada à prisão por contrabandear cigarros, mas descobre que não pode ser presa enquanto estiver grávida. Como solução, Adelina começa a ter um filho atrás do outro. Sempre que a polícia chega, seis meses após o nascimento do bebê (tempo previsto pela lei – Direito rocks!), encontra um atestado em cima da mesa da cozinha: eis que Adelina está novamente grávida. Passam-se anos e passam-se também sete (!!!) filhos. Carmine passa a sofrer de uma “ligeira” impotência sexual: falta-lhe o desejo, o apetite sexual, a saúde e o bem-estar da mente. Já Adelina é totalmente o contrário: cada vez mais exuberante, bem-disposta e fogosa, os seguidos partos parece que só lhe fazem melhor. Diante dessas divergências de, digamos, “momento”, torna-se, temporariamente, impossível que Adelina engravide mais uma vez; diante disso, a cadeia parece cada vez mais inevitável para ela. Pense na tragédia de propensões homéricas que essa história poderia render nas mãos de gente como Clint Eastwood, por exemplo: um filme longuíssimo, tristíssimo e magistral. Aqui quase tudo é diferente: a história de Adelina toma pouco mais de meia hora. E não há nada triste, como poderia se supor; mesmo o drama existindo e sendo iminente, De Sica trata tudo com muito humor e descontração. Vide as cenas em que Adelina, na rua, reclama de dor nas costas, que ela atribui à falta de gravidez, e a que Carmine, na casa de sua mãe, compara sua situação e aparência deprimente, com a situação e aparência contrárias de Adelina. A única característica que se mantém é a da maestria. É impossível não se emocionar com essa história singela e doce, e é impossível não torcer pelo casal de protagonistas, mesmo sabendo que, no fundo, eles não passam de dois trambiqueiros e malandros da pior espécie, daqueles que encontrávamos aos montes em épocas remotas (hoje, como bem disse Chico Buarque em “Homenagem ao Malandro”, a malandragem é outra, mais apropriadamente denominada como “bandidagem” mesmo).

A segunda história é a mais curta (beira os quinze minutos), mas nem por isso é menos apaixonante. Aqui acompanhamos a trajetória de Anna (Sophia), uma milionária, e de seu amante (Marcello), a bordo um Rolls Royce, pelas ruas e estradas de Milão. É coisa de gênio, simplesmente. Desnecessário contar sobre o quê falam; isso estragaria a surpresa dos maravilhosos diálogos e as espontâneas reações que temos ao assistir. Basta dizer que tudo aquilo que Anna diz a seu amante vai ser contestado e tido como duvidoso, ou mesmo falso, quando ocorrer uma certa situação... O que De Sica tentaria mostrar com isso? Que a teoria é diferente da prática? Que as mulheres são mesmo uma eterna e incompreensível contradição? Os dois? As interpretações são múltiplas. E todas deliciosas de se pensar e matutar. Atentem para o figurino ma-ra-vi-lho-so ostentado por Anna, cortesia de nada menos que Christian Dior (!!!). E também à Marcello, que consegue magnetizar as atenções mesmo diante do furacão de beleza, sensualidade e elegância que é Miss Loren – coisa que bonecos de cera como Christian Bale, por exemplo, jamais conseguiriam.

E, por fim, o episódio derradeiro, que muitos deverão considerar, inclusive, como o mais delicioso. Para contar a história da garota de programa Mara (Sophia) e de seu “exasperado” cliente Augusto (Marcello), De Sica flerta com a comédia pastelão e os resultados são os mais hilariantes e imprevisíveis possíveis . Mara é vizinha de um jovem seminarista muito fiel aos compromissos da Santa Madre Igreja e que, aparentemente, mostra desde criança a vocação

para a carreira sacerdotal. Acontece que, ao dar de encontro com a sensualidade exuberante e com a pele morena e bronzeada de Mara, o jovem estanca e tem seu compromisso com a castidade abalado. O que logo gera um conflito entre Mara e a avó do jovem, que posteriormente se transformará em amizade, para enfim desencadear na elaboração de planos e estratégias que tragam o menino de volta à vida santa. E Augusto, onde fica nessa história? Bem, podemos dizer que fica eufórico. Sempre prestes a consumar o “ato” com Mara é interrompido por alguma coisa: a campainha, o telefone, a janela aberta, ou a promessa de castidade, o que vai o deixando à beira da loucura e do descontrole sexual. Marcello dá a ele o tom exato de idiotice e de subordinação, flertando com o humor pastel, sem nunca resvalar, porém, no humor chulo ou sem personalidade. Já Loren: sem comentários. As aparições de Mara são puro deleite, não só para o seminarista e para Augusto, mas também para o telespectador, que fica embasbacado com a perfeição de seus traços e de suas curvas, que fica hipnotizado com sua inacreditável “morenice” e com seus vertiginosos olhos claros. Ressalvas também ao simpático casal de velhinhos que interpretam os avós do seminarista de forma bonita e tocante.

A grande sacada de “Ontem, Hoje e Amanhã” é ser diferente daquilo que a maioria das comédias de hoje em dia é. Na contramão de tudo aquilo que o povão parece gostar – situações idiotas e impossíveis, aliadas a um humor nenhum um pouco espirituoso – De Sica constrói personagens muito reais e humanos, muito vivos. Não raro, temos a sensação de ver ali nossos vizinhos, amigos, a mulher que pega o ônibus junto conosco, a professora de ioga, a mãe do amigo de infância, aquele amigo do seu tio distante... tudo é muito palpável. Daí talvez o título, atestando que as histórias das milhares de Adelinas, Annas, Maras, Augustos, Carmines, aconteceram no passado, acontecem hoje e continuarão acontecendo no futuro, seja ele como e quando for.

Momento da cafonice

2009-07-17T20:45:00.000-07:00

Eu e a Blackbird (aqui ao lado, nos seguidores) temos a mania de fazer listinhas bizarras. Seja de músicas que gostamos e temos vergonha, seja de filmes que mudaram a nossa vida, seja de persongens do cinema que a gente se identifica. Enfim, é um hobby, simples bobagem para alguns, mas nos diverte (talvez seja essa a pior parte). Inspirado nisso, e no marasmo que estão as minhas férias de inverno, nada melhor do que criar uma listinha bizarra, com músicas apropriadas aos vários tipos de situações que eu consegui imaginar. Tem música boa, música ruim, tem de tudo. O importante é que tem música pra situação específica, o que não significa que todas as bandas que eu gosto estão aí. Nem tudo o que eu gosto se encaixa nas situações... será que dá pra entender? São músicas que possuem clima, um ar assim, sabe? Não?! Então dê uma olhada abaixo e talvez as coisas fiquem claras para você.

Música para tocar na formatura: "Hello Goodbye", dos Beatles, associada a "Como Nossos Pais", da Elis Regina

Para ouvir de madrugada: "In Bloom", do Nirvana

Para ouvir na praia: "Don't You Want Me", do Human League

Para ouvir no carro: "Hot Kiss", da Juliette Lewis

Para ouvir depois de acordar: "I Want To Break Free", do Queen

Para tocar no seu funeral: "X-Static Process", da Madonna, conjugada com "Life On Mars", do David Bowie

Para brincar de ser feliz: "Please Mr. Postman", dos Carpenters

Para brincar de ser triste: "There Is a Light That Never Goes Out", dos Smiths

Que sempre te faz chorar: "Codinome Beija-Flor", do Cazuza

Que sempre te faz sorrir: "1234", da Feist

Que você amava, hoje odeia: "My Immortal", do Evanescence

Que você odiava, hoje ama: "Condemnation", do Depeche Mode

Para beijar: "Crystalline Green", do Goldfrapp

Para ouvir antes de dormir: "Rockferry", da Duffy

Para animar uma festa: "Roam", do B52's

Para dançar até cair: "Dancing Queen", do ABBA

Para cantar junto: "À Francesa", da Marina Lima

Que é ruim, mas você adora: "Fantasy", da Mariah Carey

Para se apaixonar: "Eu Te Amo", do Chico Buarque e da Telma Costa

Para se recuperar de uma desilusão: "I Found Someone", da Cher

Para ter dor-de-cotovelo: "Eu Sei Que Vou Te Amar", da Maysa

Para cozinhar: "Feijoada Completa", do Chico Buarque

Para assustar: "Sweet Dreams (Are Made Of This)", do Marilyn Manson

Para ficar revoltado: "Poison Heart", dos Ramones

Para dedicar a mãe: "Nothing Compares 2U", da Sinéad O'Connor

Que você gostaria de ter escrito: "Troy", da Sinéad O'Connor

Que você gostaria de cantar: "I Still Haven't Found What I'm Looking For", do U2

Para tomar banho: "Bathwater", do No Doubt

Para sair para trabalhar: "Esse Tal de Roque Enrow", da Rita Lee

Para dar ânimo para estudar: "Shiny Happy People", do R.E.M.

Para ser brega: "Tenho", do Sidney Magal

Para ser cult: "Angel Mine", do Cowboy Junkies

Para ser sexy: "Army Of Me", da Björk

Para impressionar: "Pretend We're Dead", do L7

Para dedicar ao amigo: "Family Tree", do Ben Kweller

Para voltar a ser criança: "Arco-Íris", da Xuxa

Para quebrar uma guitarra: "Highway To Hell", do AC/DC

Para mandar alguém se foder: "Olhos Nos Olhos", do Chico Buarque

Para se declarar apaixonado: "A Waltz For a Night", da Julie Delpy

Para viajar: "All Around The World", da Lisa Stansfield, e "Around The World", do Red Hot Chili Peppers

Para fazer sexo: "Waiting", da Madonna

Para tocar guitarra imaginária: "1# Da Woman", do Tricky

Para andar de bicicleta: "Getting Better", dos Beatles

Agora sua vez de fazer a sua! E vivam as listas inúteis, idiotas e divertidas!

In Memorian

2009-06-26T18:03:00.000-07:00

Ontem, 26 de junho de 2009, o mundo ficou mais triste. Um gênio, chamado Michael Jackson morreu, aos exatos 50 anos. Não tenho muito mais a dizer acerca disso. Deixemos de fora os boatos e os buxixos acerca da vida de Michael. Quem quiser saber ou ler sobre isso que procure a revista sensaciolista que mais lhe cabe. Michael foi um gênio insubstituível, um fenômeno sem precedentes, um músico ímpar. Criativo, inspirador, divertido, misterioso, cafona, chique, excêntrico... Jackson foi e ainda é um pouco de tudo. Mas sem ele, sem seu legado, sem álbuns como Thriller, sem músicas como "The Way You Make Me Feel" o pop jamais seria o mesmo. Michael, você se foi, mas deixou a melhor parte de você conosco. Você é um gênio e sempre será. Que você tenha, enfim, encontrado a paz que tanto merecia e, creio, ansiava. Descanse em Paz.

Novidades (ou não)

2009-05-24T19:03:00.000-07:00

Me deu vontade, justamente hoje, de fazer um post sobre coisas novas que ando descobrindo. Entretanto, não estou com muita vontade de fazer um post gigante falando apenas sobre uma banda/artista de cada vez - até porque se desse modo fizesse eu demoraria séculos para terminar essa odisséia. Daí o motivo pelo qual resolvi resumir tudo em um post só - gigante, claro - porém contendo todas as coisas novas de (re)descobri nas últimas semanas. Para não parecer preferencial ,vamos pela ordem com a qual os artistas são enumemerados no meu Windows Media Player.

Banda: 10000 Maniacs
Álbum responsável pela inclusão: "In My Tribe" (1987) e "MTV Unplugged" (1993)
Músicas que eu recomendo: "Because The Night" e "Like The Weather"
Clipe que eu recomendo: "More Than T his"

Pra quem nunca ouviu falar, o 10000 Maniacs é uma banda de rock alternativo, que mescla a esse estilo um pouco de folk music, oriunda dos Estados Unidos, formada no ano de 1981. Esses dois álbuns que eu citei contam Natalie Merchant, a integrante mais famosa da história do 10000 Maniacs. Entretanto, em 1993, Natalie deixou o grupo e foi substituída por Mary Remsey que já havia trabalhado anteriormente com o grupo. A versão de "More Than This" que eu citei acima, reinterpretação de uma clássica música do Roxy Music, é de 1997, já com Mary nos vocais. Uma banda muito inteligente e concisa, que ganha não pela inovação, mas sim pela competência com que cria suas melodias e letras.

Artista: Chris Isaak
Álbum responsável pela inclusão: Best Of Chris Isaak
Músicas que eu recomendo: "Wicked Game" e "Somebody's Crying"
Clipe que eu recomendo: "Wicked Game"

Esse cara é foda. Teve duas de suas músicas incluídas na trilha sonora de dois filmes dignos de nota: "Wicked Game" e "Baby Did a Bad, Bad Thing" foram temas, respectivamente, de "Coração Selvagem", de David Lynch, e de "De Olhos Bem Fechados", de Stanley Kubrick (isso já dá uma idéia do quão sofisticado o estilo de Chris é). Para amantes de letras inteligentes, melodias sensuais e, simplesmente, música boa, chique e de qualidade. O vídeo de "Wicked Game", em que Chris rola na areia da praia e sussura ao ouvido de uma modelo, é um dos mais bem feitos e sofisticados de todos os tempos. Renda-se sem culpa.

Artista: Christina Aguilera
Álbum responsável pela inclusão: Back To Basics
Músicas que eu recomendo: "Understand" e "Makes Me Wanna Pray"
Clipes que eu recomendo: "Hurt" e "Candyman"

Não precisa de apresentações, não? Confesso que durante muito tempo tive preconceito com a Christina e demorei a reconhecer que ela era, enfim, uma boa intérprete. "Back To Basics" foi o responsável por isso. Lançado há uns 3 anos, mas apenas agora ouvido por mim o álbum é de uma perfeição ímpar. Tem um clima jazzístico delicioso e samples inteligentes e bem colocados, com destaque ao usado em "Understand".

Artista: Duffy
Álbum responsável pela inclusão: Rockferry
Músicas que eu recomendo: "Rockferry" e "Mercy"
Clipe que eu recomendo: "Rockferry"

Duffy é galesa e dona de um estilo ímpar. Conquistou o planeta com o energético single "Mercy", mas seu álbum de estréia mostra que ela ainda é capaz de coisa muito melhor, como a faixa-título, uma das músicas mais emocionantes que ouvi nos últimos tempos. Dona de uma voz potente, forte e diferente das atuais cantoras loiras, Duffy com certeza é uma das 5 melhores coisas surgidas nos últimos 5 anos.

Artista: Feist
Álbum responsável pela inclusão: The Reminder
Músicas que eu recomendo: "1234" e "I Feel It All"
Clipes que eu recomendo: "1234" e "Mushaboom"

Recomendação de uma amiga, a canadense Feist faz uma das músicas mais deliciosas de se ouvir atualmente. Basta uma audição de "1234" para começar a bater os pézinhos - se ver o clipe então, inevitável não sorrir. Feist faz um folk agradável e suave e que vai cativar, principalmente, aqueles gostam de Basia Bulat (aqueles que seguiram meu conselho. Rá!) e Cowboy Junkies, por exemplo. Veja o clipe de "Mushaboom" e se apaixone.

Artista: Marilyn Manson
Álbum responsável pela inclusão: Last We Forget - The Best Of
Músicas que eu recomendo: "mOBSCENE", "Tainted Love" e "Sweet Dreams (Are Made Of This)"
Clipe que eu recomendo: "mOBSCENE"

Durante anos eu tive receio de ouvir o Manson. Um pouco pelo estilo - aquele rock gritado e grunhido - e também um pouco porque a forma como ele se portava me parecia por demais bizarra. Abri concessões esse ano, por influência de um amigo também, e acabei gostando. Além desse, baixei também o "The Golden Age Of Grotesque", mas penso que o "Best Of" ainda é a melhor opção para iniciantes. Take a chance on him.

Artista: Metrô
Álbum responsável pela inclusão: Olhar
Músicas que eu recomendo: "Tudo Pode Mudar", Johnny Love" e "Beat Acelerado"
Clipe que eu recomendo: "Beat Acelerado"

Banda brasileira oitentista. Teve duas encarnações, a primeira - a mais lembrada, conhecida e notória, registrada no álbum "Olhar" - com a vocalista Virginie nos vocais e a segunda - contida no interessante "A Mão de Mao" - com o vocalista Pedro Parq. A música do Metrô é viciante; um tecnopop meio new wave, inspirado em Rita Lee, Blondie e B52's. Tire os preconceitos bobos de lado e conheça um dos poucos grupos oitentistas que valem a pena. O clipe de "Beat Acelerado", bem como sua letra, merecem ser imortalizados como clássicos da nossa MPB.

PS: Ecletismo pouco é bobagem.

Ao amor da minha vida

2009-05-15T19:57:00.000-07:00

O amor da minha vida eu encontrei, tem nome, é de carne e osso, e me ama também.

Esse post é uma mistura de duas coisas: primeiro maturidade; depois realidade. Marca também o início de um período novo da minha vida. Começo com uma frase de Maitê Proença e uso também o mesmo título que ela usou em uma de suas crônicas publicas na revista Época para, basicamente, falar sobre o mesmo assunto e apontar para ele as mesmas conclusões e decisões.

Eu, bem como a Maitê, descobri que o amor da minha vida existe, mas que eu nunca caberei nele, e ele nunca caberá em mim. Descobri que, apesar de um sentimento uno, de uma coisa que parece abranger e ser verdadeira para os dois lados, a realidade na qual cada um de nós está inserido é muito diferente. A gente não cabe um dentro do outro. E isso é um empecilho, impede que, de alguma forma, nós fiquemos juntos, que de alguma forma nós vivamos esse sentimento.

Não, não pensem coisas erradas. Eu ainda amo, ainda gosto. Mas não quero mais, simplesmente. É isso aí. Ainda me prendendo às palavras de Maitê, "eu não quero mais o amor da minha vida". Chega, pára, cansei, as coisas mudaram, o mundo mudou e eu mudei também. Eu quero viver os dias sem me preocupar, não quero ficar triste ao ter expectativas frustadas, não quero estragar meus dias com acontecimentos "inesperados", não quero mais perder festas chorando, não quero mais ter que esperar por alguém. Simplesmente cansei, estaquei e desisti. Percebi que essa vida, essa situação, mais especificamente, não é mais para mim, que essa espera, que esses anseios e que tudo o que circula ao lado desse "relacionamento" não faz com que eu cresça, e ainda me impede de conhecer outras pessoas, e mesmo de ser uma outra pessoa. Me libertei, abri os braços, respirei e senti que essa a coisa certa a fazer. Sem lágrimas, sem lamentos, sem sentimentos desnecessários.

Eu creio que deve ter alguém por aí, meio maluco, meio excêntrico, meio nada com nada, que talvez algum dia venha a me completar. Pode ser que um dia pela rua, eu esbarre com alguém, e ame esse alguém e case com esse alguém e viva com esse alguém. Ou não. Eu também posso morrer sozinho e sem ninguém por perto, simplesmente, tal qual a personagem de Julianne Moore no filme As Horas. Essa opção, ao menos por enquanto, ainda não me assusta, e parece mesmo guardar uma certa áurea de beleza e poesia.

Claro que não descarto possibilidades no futuro. Talvez um dia, já velhinhos, cansados, caídos e morrendo, eu e o amor da minha vida nos reencontraremos e, quem sabe, finalmente poderemos concretizar aquilo que, há tanto tempo, tem se mantido incompleto. Mas só no futuro. Porque agora sei que eu não quero mais saber dele, quero simplesmente continuar meu caminho, livre de amarras e de impedimentos. Nada de amores, de ficar rolando na cama, de pensamentos antes de dormir, de sonhos e de preocupações. Quero ser livre. Quero ser lépido. Quero ser apenas mais um, sozinho, longe, bem longe do amor da minha vida.

Novo (e aguardado) vício

2009-05-08T14:44:00.000-07:00

Minha mais nova descoberta tem me encantado. Às vezes eu me deparo com coisas novas e criativas, mas mesmo quando elas me surpreendem de certo modo, raras ou raríssimas são as vezes que elas me empolgam ao ponto de eu, imediatamente, elegê-las para fazer parte do seleto rol que constitui o playlist do meu MP4. A última banda a conseguir fazer isso comigo foi o Architecture in Helsinki e desde então eu sentia falta de um novo vício. Agora não sinto mais. Tudo graças à canadense Basia Bulat.

Conheci a Basia meio que por acaso, enquanto procurava no orkut o álbum de uma cantora homônima pra baixar. Encontrei o nome "Basia" associado ao sobrenome "Bulat", mas pensei "ah, quem sabe?". Depois de baixar e descompactar o álbum, logo na primeira audição, tive duas percepções. A primeira era a que não havia encontrado a cantora que procurava; a segunda foi a de que eu havia encontrado uma cantora muito melhor e muito mais interessante.

A música de Basia é singela e simples. Ela faz basicamente um folk-rock bem canadense, meio ao estilo Feist e talvez com algumas pitadas de Cowboy Junkies. Não há nada de inovações absurdas e gritantes ou a exploração sons excêntricos (como o do Architecture, por exemplo). O que se houve é uma cantora de voz segura, afinada, preocupada simplesmente em cantar boas letras e trazer a nosso ouvidos boas melodias. É o tipo de coisa que te faz sorrir; porque ao mesmo tempo que a música de Basia pode ser considerada lenta, não dá pra considerá-la triste. Talvez melancólica. Mas aquela melancolia que te arranca sorrisinhos simpáticos e simpatizantes.

Seu álbum de estréia, "Oh, My Darling", de 2007, é um poço de qualidade e delícia. Há ecos de Beatles aqui, Beirut ali, um ou outro artista do folk/country lá (bem como os já citados). Enfim, é um álbum imperdível que, talvez não venha a mudar a sua vida, mas que certamente vai acompanhá-lo em muitos momentos do seu dia-a-dia, seja no ônibus, seja na rua, seja na paquera, seja na faculdade. A música de Basia é daquelas que parece tanto atemporal, quanto compatível com todos os lugares e situações. E viva os vícios!

Voltando

2009-04-14T20:28:00.000-07:00

Angelica Bell: What happens when we die?
Virginia Woolf: What happens?
[pause]
Virginia Woolf: We return to the place that we came from.
Angelica Bell: I don't remember where I came from.
Virginia Woolf: Nor do I.

Quem me conhece entende. E quem entende sabe que isso significa que eu estou de volta e vocês também. Sejamos todos bem-vindos. Mais uma vez.

Três grandes diretores, três grandes filmes

2009-02-25T09:10:00.000-08:00

Aqueles que me conhecem e já tiveram a oportunidade de falar sobre cinema comigo sabem que tenho uma admiração e uma paixão desenfreada pelas obras de Alfred Hitchcock e de David Cronenberg. São dois cineastas ousados, cada um à sua maneira, criativos e que trazem à tona um talento que salta aos olhos. Na última semana tive mais uma chance de vislumbrar a genialidade de Hitchcock e de Cronenberg ao assistir "Um Corpo Que Cai" e "Spider - Desafie Sua Mente".

Quem é ligado em cinema sabe da importância de Hitchcock para a posteridade. O diretor inglês, ao migrar de sua terra natal (onde fez maravilhas como "Os 39 Degraus") para os Estados Unidos criou alguns dos maiores petardos do suspense de todos os tempos. Era também um visionário, super à frente de seu tempo, e possuía uma ousadia que quebrou inúmeros tabus dentro do cinema. Em "Psicose", por exemplo, ele matou a estrela na metade do filme e mostrou também que um assassino podia se esconder por detrás de uma pessoa aparentemente boazinha e inofensiva, em semelhança ao que já tinha feito em "Pavor Nos Bastidores", filme que utiliza um genial falso flashback para confundir a platéia e tornar a revelação final ainda mais surpreendente. Em "A Tortura do Silêncio" o Padre Michael Logan, interpretado por Montgomery Clift morreria na cena final, mas Hitchcock teve que mudar o roteiro por pressão do estúdio. "Disque M Para Matar" mostra as artimanhas de um marido traído para (literalmente) se livrar da esposa.

"Um Corpo Que Cai" então. À época o filme foi recebido com muitas restrições, tanto pela crítica quanto pelo público. Curiosamente, no entanto, ele se tornou ao longo dos anos o filme preferido dos especialistas e dos cinéfilos dentro da numerosa obra de Hitchcock. Vendo-o hoje é uma delícia perceber que nada nele envelheceu, que continua fresquinho e super atual. É que "Um Corpo Que Cai" não é um suspense propriamente dito. Claro, há toda uma trama policial e até mesmo espiritualista ali, mas o filme é, no fundo, uma trágica história de amor, obsessão e falsa identidade. Está aqui a influência óbvia para outra obra-prima do suspense, o cult "Dublê de Corpo", do inteligente Brian De Palma. Não vou me ater a discorrer sobre a história, até porque você deve saber do que se trata e, caso contrário, sites como Adoro Cinema e Cinema com Rapadura estão aí para isso.

Basta dizer que "Um Corpo Que Cai" é perfeito. Em todos os sentidos. É um filme emocionante, tocante e absurdamente envolvente, que te faz ficar vidrado, parado, sem ousar um movimento sequer, por menor que seja, durante toda a sua duração. James Stewart todos já sabem que é um ótimo ator, dono de um carisma e de uma simpatia ímpar. A surpresa aqui é mesmo Kim Novak, a loira da vez. Ela dá um show de interpretação, ofusca a presença de Jimmy e traz todas as atenções para si, não só pelo seu talento, como também pela sua inacreditável e indiscutível beleza. As cenas do terço final da fita, em que Jimmy tenta transformá-la na mulher que amou e perdeu são de dar nós na garganta, e isso em parte pelo absurdo desempenho dramático de Kim. A cena final, no alto da torre, mesmo sendo tachada de precipitada por alguns, é uma coisa de gênio, que só uma mente brilhante como a de Hitchcock poderia bolar (parafraseando Paulo Francis "ninguém matou no cinema como Hitchcock"). Um filme simplesmente indispensável, que deve ser visto por todos aqueles que se interessam por aquele que eu chamo "cinema de verdade".

Quem se liga em cinema contemporâneo deve ao menos ter ouvido falar de David Cronenberg. O canadense que no início de sua carreira foi denominado como "um dos jovens mestres do terror" diversificou seu leque de trabalho, que hoje pode ser considerado como bastante eclético. Desde trabalhos mais antigos como "Scanners - Sua Mente Pode Destruir" até o seu trabalho mais recente, o perturbador "Senhores do Crime", muita coisa de qualidade tem a assinatura de Cronenberg. Seu cinema se caracteriza, principalmente, pela morbidez e pela bizarrice de determinadas histórias e personagens, o que pode torná-lo repulsivo para alguns, ou brilhante para tantos outros.

Aquele que viu "Crash - Estranhos Prazeres" não esquece. O filme, baseado no romance de J.G. Ballard, é um dos marcos do cinema nos anos 90, chegando mesmo a ganhar o Prêmio Especial do Júri no Festival de Cannes de (se não me engano) 1996. "Crash" é o melhor do cinema de Cronenberg: a amálgama entre sexo e destruição, entre amor e violência. Tudo isso dentro de um roteiro mirabolante, de uma trilha sonora arrepiante e contando com um elenco excepcional (Holly Hunter à frente). Um show de ousadia e erotismo. Entretanto, observa-se que, nos últimos tempos, Cronenberg vem buscando novas soluções para seu cinema. Em seus dois últimos filmes, o excelente "Marcas da Violência" e o já citado "Senhores do Crime" Cronenberg se tornou mais acessível e menos repulsivo sem, felizmente, cair na armadilha de fazer filmes comerciais e de essência vazia. Aqui ele usa a violência e as tramas policiais como forma de discutir os dilemas e os problemas interiores de cada um. É a violência como inerente ao ser humano.

Mas o filme que eu quero discutir aqui é "Spider - Desafie Sua Mente". O filme conta a história de um homem, Spider (Ralph Fiennes) que sai de um sanatório e passa a morar em uma pensão juntamente com outros doentes onde, aos poucos, vai reconstituindo os episódios ocorridos em sua infância e que o levaram à loucura. Como a sinopse bem demonstra é um suspense psicológico dramático. O estranho é que, como na maioria dos outros filmes de Cronenberg, "Spider" tem uma história que nas mãos de gente como Joel Schumacher renderia milhões de dólares em bilheteria e zero em qualidade artística. É a forma como Cronenberg constrói a narrativa e filma pequenos detalhes (como o protagonista recolhendo pedras do chão, enquanto criança e também já adulto) que dá à fita toda a magia e todo o brilhantismo.

O cenário também é importante. Tanto a pensão onde Spider agora se encontra quanto a casa em que morava quando criança são ambientes escuros, sombrios e assustadores. Tudo isso vai contribuindo para a construção da atmosfera densa do filme, juntos com os desempenhos impecáveis de Ralph Fiennes (um ator impressionante), Miranda Richardson (uma puta atriz, no bom sentido, claro) e Gabriel Byrne. As cenas finais, nas quais o "segredo" é finalmente revelado à Spider e ao público é de gelar a espinha; menos por sua imprevisibilidade e mais, muito mais, pela sua sobriedade e pelo seu clamor humano. Enfim, é uma obra máxima, de um diretor máximo. É, para mim, ao lado de "Crash", uma das eternas obras-primas "cronenberguianas".

O último diretor, que eu ainda não havia revelado, é Pedro Almodóvar e o filme em questão é "Matador", de 1986. Todo mundo (espera-se) já sabe o básico sobre Almodóvar e seus filmes então, como este post já está gigantesco e eu desconfio que ninguém vai ler, vou ser muito sucinto e ir direto ao ponto (coisa totalmente Almodóvar). "Matador" conta a história de Ángel (um jovem, LINDO e talentoso Antonio Banderas), um jovem aprendiz de toureiro que para afirmar sua sexualidade tenta estuprar uma moça e acaba assumindo a autoria de crimes que não cometeu. Paralelamente à isso corre a história de Diego (Nacho Martínez), mestre de Ángel e namorado da moça que este tentou estuprar, e de Maria (Assumpta Serna), uma advogada que acaba assumindo a defesa de Ángel. Não dá pra falar mais sobre o filme porque o fazendo eu acabo por estragar as boas surpresas que ele tem para causar ao espectador. Basta dizer que é uma história de amor e de obsessão pela morte, contada com toques hitchcockianos, mas com aquela afetação e passionalidade que só Almodóvar possui e sabe transmitir, e que conta também com a presença sempre bem-vinda de Carmen Maura como a mãe (adivinha?) opressora e religiosa fanática de Ángel. Ao assistir a "Matador" fica bem claro onde é que foi inspirado um dos maiores sucessos do cinema americano dos anos 90: "Instinto Selvagem". Mas para entender isso você vai ter que ver o filme porque mais eu não conto.

É, parece que eu me superei em matéria de posts gigantes. Uma pena, pois o tema é interessante, e ninguém vai ler, APOSTO. Entretanto, se algum destemido e corajoso conseguiu chegar até o final, peço que deixe seu recado. Tenho certeza que, mesmo passado seis meses, não terá um sequer. Mas quem se importa? Como bem diz a imortal Virginia Woolf "escrever é que é o verdadeiro prazer; ser lido é um prazer superficial".

Mundo real e macabro

2009-02-05T07:47:00.000-08:00

Reli esse final de semana um dos livros mais complexos e de difícil leitura com o qual já me deparei, "A Volta do Parafuso", do Henry James. Para quem nunca ouviu falar, James é um dos mais influentes escritores americanos de seu tempo e tem uma obra vasta que é bastante elogiada pela crítica em geral (eu só conheço esse livro), e esta novela, certamente, é um de seus trabalhos mais conhecidos e também comentados. Foi inclusive adaptada para o cinema, como "Os Inocentes", com Deborah Kerr no papel principal e roteiro escrito pelo badaladérrimo Truman Capote. Livro e filme, aliás, serviram de inspiração para "Os Outros", com Nicole Kidman, o que já dá uma idéia do quão surpreendente este livro é.

O título traduzido pode confundir o leitor, que pode pensar que a "volta" a qual se refere é o sinônimo de "retorno". Ledo engano. Como bem demonstra o título original, "The Turn of The Screw", a "volta" aqui tem o mesmo significado que "giro". Para evitar complicações semânticas uma edição trouxe, inclusive, o livro como "A Outra Volta do Parafuso". A tradução mais recente é do meu conterrâneo (sim, ele é de Novo Horizonte!) Chico Lopes e foi bastante elogiada pelas suas resoluções, inclusive pelo fato de excluir o "outra" do título, deixando-o assim mais fiel ao original. A tradução que li é uma antiga, publicada pela Ediouro em formato de bolso, feita por uma tal Olívia não-sei-de-quê e intitulado simplesmente "A Volta do Parafuso (Os Inocentes)". Achei a tradução bastante correta, mesmo sendo um pouco densa demais, embora creio que isso se deva à essência do texto de James.

"A Volta do Parafuso" conta a história de uma jovem governanta encarregada de cuidar de um casal de crianças, Flora e Miles, que vive em um casarão isolado no campo e que supostamente são possuídas por espirítos demoníacos. Obviamente que o livro não é só isso: James usa, com todo o charme e graça, o recurso da narrativa dentro da narrativa. Dessa forma, a história da governanta é lida por um homem que a conheceu no passado, Douglas (depois do incidente ocorrido com o casal ela foi trabalhar para a irmã de Douglas), para um grupo de amigos que passa uma temporada de inverno no campo. A governanta escreveu tudo o que viveu em companhia das crianças e, às vésperas de sua morte, enviou tudo a Douglas, porque parecia ser a única pessoa em quem podia depositar as terríveis agruras de seu passado.

O mais interessante em "A Volta do Parafuso" é que ele não é uma história típica de fantasmas, porque pode ser interpretado de diversas formas. Lembremos que é a governanta quem narra os fatos e que (mais ou menos ao estilo "Dom Casmurro") todas as impressões e informações que temos nos são passados por ela, e pela forma como ela enxerga determinadas situações e reações. Assim, se à primeira vista ela via Flora e Miles como dois anjos em forma humana, com o passar dos dias começa a desconfiar de sua aparente inocência, ao mesmo tempo em que começa a ter visões de dois antigos criados da casa, Mr. Quint e Miss Jessel. Quint e Jessel, pelo que nos é relatado, tinham comportamentos imorais, mas essa tal "imoralidade" nunca é descrita de frente (o que faz com que exista ainda mais ambigüidade dentro da narrativa). O livro vai assim, em contínuo suspense e angústia, narrando a trajetória da governanta no desespero de salvar as crianças da influência dos espíritos, até chegar a um final indubitavelmente trágico (que, obviamente, não contarei aqui).

Ao final do livro a gente começa a matutar várias coisas. Seria o livro mesmo uma história de horror? Tais fantasmas ou espíritos seriam mesmo reais? Ou a governanta seria uma esquizofrênica, com evidentes problemas psicológicos oriundos de uma repressão sexual (sim, há pessoas que fazem associações freudianas ao livro)? Eu, particularmente, gosto de acreditar que ela tinha problemas mentais. Veja bem: mesmo quando descreve as figuras dos espíritos que vê, o que revela à Sra. Grose (uma das empregadas da propriadade onde moram, Bly) é evidentemente superficial e, à medida que a senhora dá detalhes físicos de Quint e Jessel, a governanta não faz mais que concordar e dizer que eles realmente tinham aquela forma. E mais: somente ELA vê esses espíritos (as crianças negam vê-los de forma expressiva). Obviamente que eu não sou o dono da verdade. A conclusão é própria de cada leitor, cabendo à sua percepção e finesse a compreensão da narrativa, o que quer dizer que cada um pode ver a trajetória dela da maneira como bem quiser e entender.

Dizem que essa novela foi escrita por Henry James com o intuito de criticar a classe vitoriana de sua época. Vai saber? De qualquer forma, sendo uma história de fantasmas ou não, o que interessa é que o livro de fato assusta muito, principalmente em seu terço final. Acho inclusive que, a idéia da esquizofrenia da protagonista deixa as coisas muito mais aterradoras e sombrias, porque, ao conceber tal conclusão, saímos do terreno do medo do sobrenatural para adentrarmos o terreno do medo do real, onde as pessoas verdadeiramente podem morrer e morrem. Sim, há uma morte em "A Volta do Parafuso". Mas eu não digo de quem. Você vai ter que ler para descobrir.

Ou ver o filme. Este é o trailer original, quase tão tenso quanto todo o livro:

Do they ever return to posses the living? Bons sonhos!

Drops do mundo pop

2009-02-03T19:59:00.000-08:00

Eu soube da existência dos Primitives graças à finada (e sempre amada) revista BIZZ, devido a uma cobertura de um show dos Sugarcubes (finada e amada banda islandesa que revelou ao mundo esse ser chamado Björk) em Boston. A matéria foi escrita pelo hoje badalado Álvaro Pereira Jr. e não falava muito sobre a banda (que fazia a abertura pros "cubinhos"), apenas que fazia um rock agradável e que sua vocalista, Tracy Tracy era, literalmente, de parar o trânsito.

Pelo que pesquisei, os Primitives alcançaram o estrelato e tiveram seu primeiro álbum no Top 5 britânico porque Morrissey, então vocalista dos (também sempre amados) Smiths, disse que eles eram uma de suas bandas prediletas (mais uma prova do quanto o QI é importante no mundo musical). Os Primitives faziam parte de uma leva de bandas inspiradas no pop do Blondie e no visual ultra-vamp de Debbie Harry, nos mesmos moldes de outras contemporâneas suas como o Transvision Vamp, por exemplo (pelo que consta houve toda uma onda de bandas desse gênero surgidas em meados dos 80). Duraria até o comecinho dos 90, dando por fim seus últimos suspiros e abandonando de vez o maravilhoso mundo pop.

Okay, acho que todos estão esperando que eu fale mais sobre a música dos Primitives. Mas não posso! Explico: conheço apenas uma música deles, por sinal seu biggest hit, "Crash". Então, por que decidi fazer esse post? Pra falar de uma banda de uma música só? Bem, posso explicar tudo: "Crash" não é apenas mais uma música pop perdida em meio a tantas outras. É uma música que anda me hipnotizando, me consumindo, que eu ouço de forma compulsiva nas últimas semanas. O clipe também é uma delícia, com Tracy Tracy e seu delicioso estilo loira platinada atiçando a libido da molecada. Desde já, para constar como clássico absoluto da música pop. E eu estou falando sério!

Finalmente, Maysa

2009-02-02T19:03:00.000-08:00

Depois de dois posts imensos, finalmente começo a falar mais propriamente de Maysa, tanto da cantora, quanto da minissérie. Não sei se é bom ou ruim o fato de a minissérie ter acabado há algumas semanas e todo aquele "auê" ter, enfim, esfriado. Prefiro pensar que é bom, porque assim creio que eu posso dar minha opinião de forma mais segura, sem estar cego por uma recente emoção.

Eu nunca me interessei muito pelas minisséries da TV, mas assim que as chamadas para "Maysa" começaram a pipocar fiquei fascinado. Já tinha lido sobre ela, ouvido clássicos como "O Barquinho" e "Meu Mundo Caiu", mas nada muito além disso. Fiquei empolgadíssimo. E na segunda-feira da estréia, lá estava eu, firme e forte na frente da TV, sem emitir um barulhinho sequer. E enfim começou.

A minissérie abria com Maysa já nos momentos finais de sua carreira e de sua vida. Enquanto se apresentava pela primeira vez em uma churrascaria, ela perdia a paciência com a platéia que conversava enquanto ela cantava, e acabava por jogar uma sandália em uma das mesas. Na cena seguinte, aparecia levando uma bronca do dono do lugar. "Você pensa que está cantando no Municipal?", diz ele. Maysa, prontamente, rebate: "Saiba que todas as vezes que eu canto, eu canto como se estivesse no Municipal". Uma abertura e tanto. A partir daí já dá para perceber a forma com a qual a cantora vai enxergar e definir sua arte, nos nove episódios que vão constituir a minissérie.

Logo após esse incidente Maysa tem o primeiro de seus muitos monólogos, espécie de confidências que ela faz no seu diário e que nos faz conseguir adentrar um pouquinho o pensamento dessa mulher tão sofrida e tão deprimida. Após uma visita aos pais, decide ir pra casa de Maricá, pro seu paraíso, como ela mesma costumava definir, mesmo sob os protestos dos pais. No caminho, sofre um acidente. Sua Brasília azul bate na ponte Rio-Niterói. Maysa morre.

Eu já falei sobre essa cena do acidente. É uma das mais lindas de toda a minissérie: a câmera acompanhando sem pressa os carros, até chegar no da cantora, focalizando bem suas expressões e seus movimentos. E daí a batida. A retirada do corpo. Tudo magnificamente filmado, de uma forma que nunca se observou na carreira de Jayme Monjardim. Tudo assim, cru, sem piedade forçada. Simplesmente uma morte, uma morte como tantas outras. Mas a mulher que morre, esta sim difere das outras. Não é, de forma alguma, qualquer mulher: é Maysa.

"Maysa" a minissérie, é feita (pra mim) de cenas simples, mas fortes: Maysa conversando com Ronaldo Bôscoli ("Meu medo é amar e não ser amada"); Maysa fazendo confidências a Ana ("Felicidade é coisa de gente burra"); Maysa interpretando clássicos como "Eu Sei Que Vou Te Amar". Cada uma dessas cenas conta com o brilhantismo de Larissa Maciel, uma estrela nata, uma atriz que hipnotiza, que magnetiza e traz todas as atenções pra ela. Ela é o centro de tudo, ela é Maysa. Quem viu imagens de arquivo pôde perceber o quanto o "Não" de Larissa era idêntico ao da estrela da MPB. E o olhar? A cena em que Maysa briga com Miguel e aparece na sacada, ameaçando se matar caso ele não volte, é um baque estrondoso no coração: a semelhança é assustadora, a forma como a atriz mergulha no interior da personagem e traz do âmago de si aquela mulher tão delicada, tão passional é um soco na boca do estômago.

Mas há de se fazer justiça também a outros atores além de Larissa (porque é até covardia: ela é a estrela!), como Priscilla Rozenbaum, que faz Ana de forma magistral, Eduardo Semerjian, que faz André, Mateus Solano, como Ronaldo Bôscoli e, em especial, Melissa Vettore, que dá um show como Gabriela, mesmo tendo uma pequeníssima participação. Todo o elenco está magistral. O fato de contar com atores desconhecidos do grande público deixou Jayme mais à vontade. Tanto que não há fortes cenas de sexo ou de nudez em "Maysa". Mas os diálogos são tão reais, que muitas vezes os personagens parecem estar mais nus do que se estivessem sem roupas. Mérito do texto do grande Maneco, livre do cenário por vezes cansativo do Leblon e de alguns personagens e atores fracos que caracterizam suas novelas.

"Maysa" é enfim, uma aula de como se fazer TV. "Capitu", de Luiz Fernando Carvalho, exibida um pouco antes, também o era, mas era uma TV de arte, uma TV que não alcança o grande público, pouco acostumado a adaptações tão teatrais, tão próximas ao over. Já "Maysa" esbanja uma qualidade impecável, mas consegue cativar o público, consegue tocá-lo, sem precisar, na maioria das vezes, recorrer ao piegas ou ao sentimentalismo fácil (que é tão característico de Jayme Monjardim). Mesmo nas cenas em que "Maysa" parece apelar demais, e que a música chorosa aparece, as coisas não se perdem, porque o que conta ali é a redenção. Redenção de Jayme, que aceitou um projeto tão difícil, tão sofrido e que, surpreendentemente, soube transformar em uma pequena obra-prima dentro da teledramaturgia brasileira.

Agora, falando de Maysa-pessoa, Maysa-mulher. É óbvio que ela não era uma heroína: sim, ela abandonou a família pra conseguir uma carreira e descobriu, ao fim de tudo, que não era feliz, que talvez nunca o tivesse sido. Mas há beleza nisso: há beleza em cada pedacinho do sofrimento humano. Maysa errou, mas quem não erra? Ela era uma apaixonada, queria viver suas paixões. E viveu. Da forma que quis. Ela amou André, e foi amada por ele. Mas ela precisava de liberdade; às vezes, a liberdade é a maior prova de amor. E ela lutou por essa liberdade. Seu fim, verdadeiramente, não foi exatamente nos moldes românticos, mas há beleza e profundidade na sua incessante busca pelo amor e pela felicidade. Tal qual Emma Bovary Maysa Monjardim foi, bem à sua moda, uma das grandes feministas da história.

Li na internet que, certa vez, participando de um programa de TV, os artistas tinham que cumprir tarefas. À Maysa coube destrinchar um frango. A apresentadora, uma tal Sonia Ribeiro, ofereceu a ela um trinchante (tesoura de cortar frango), mas Maysa simplesmente a ignorou, pegando o frango com as mãos e cortando-o nas juntas. Isso é Maysa. Faço minhas as palavras de uma amiga: "É muita personalidade meu povo!". De fato, uma eterna estrela, imortalizada pra sempre nas performances inesquecíveis de músicas como "Ne Me Quittes Pas", "Demais", "Resposta". Grande Maysa. Ah, se todas fossem iguais a você... o mundo poderia ser mais triste, mas seria, indubitavelmente, bem mais honesto e original.

Pode chamar de Maneco

2009-01-29T06:07:00.000-08:00

O nome do cara é Manoel Carlos, mas eu chamo de Maneco. Aliás, todo mundo o chama assim. Maneco é um dos autores de novelas mais requisitados hoje. Eu devo confessar que já fui muito apaixonado por trabalhos anteriores do cara, mas em nenhum ele me arrebatou tanto quanto em "Maysa - Quando fala o coração".

A primeira novela que me lembro de Manoel Carlos é "Por Amor", até porque depois ela passou no "Vale a Pena ver de novo" e como eu passava as férias em casa, sem fazer nada, assistia alguns capítulos novamente. O tema da novela era bastante interessante: Helena (Regina Duarte) e sua filha Eduarda (Gabriela Duarte) ficam grávidas ao mesmo tempo. Os bebês nascem juntos, só que o de Eduarda tem alguns problemas e acaba morrendo. Compadecida, Helena, em conluio com um médico que era feito pelo Marcelo Serrado troca seu bebê pelo bebê morto de Eduarda. Todo o resto da trama se desenrolava por aí. Não que "Por Amor" fosse genial. Na verdade, ela era bastante previsível. Mas nessa novela Maneco criou alguns personagens bastante interessantes como Branca, feita por Suzana Vieira e Laura, interpretada pela Viviane Pasmanter. A cena mais antológica, pra mim, é a de Branca, a "vilã" desagradável, apanhando da amante do marido, Isabel (Cássia Kiss), e tendo, ao final da cena, seu anel roubado. Simplesmente antológico. Façamos jus também ao trabalho de gente como Carolina Ferraz que, à época, virou queridinha pela interpretação da jovem Milena, filha de Branca.

O trabalho seguinte de Maneco que vi foi "Laços de Família". Essa sim, uma grande trama. Tudo bem, Vera Fischer é péssima atriz, mas juro que aqui, como Helena, ela passava uma sensação bastante verdadeira. Era uma personagem tão cativante, tão poderosa, tão forte que era impossível não admirá-la. E era impossível não odiar Camila (a também chata Carolina Dickmann), a filha de Helena que se apaixona pelo namorado da mãe, Edu (quem mais que Gianechinni?). Helena abre mão do amor de Edu em benefício da filha. Eu me lembro que fiquei muito puto com isso. Pra mim a Helena tinha que brigar, ir pro ringue, acabar com a Camila. Entretanto... após seu casamento com Edu vem a surpresa: Camila tem leucemia. Todo o resto da novela passou a rodar, basicamnte, em torno disso. E há se admirar a cena linda e tocante em que Camila raspa a cabeça. Para alguns pode parecer brega, mas me soou bastante humano pra mim. Além disso a novela tinha ótimos coadjuvantes: Alma (a sempre ótima Marieta Severo), como a tia irônica de Edu, Danilo (Alexandre Borges) como o marido bon-vivant de Alma, e Íris, a meia-irmã de Helena, aprendiz de vilã e ninfeta de plantão feita pela Deborah Secco (na época a gente tinha esperanças que Deborah virasse uma grande atriz). A cena de Íris dançando na frente do espelho também é uma coisa que dificilmente me sai da cabeça. Sem contar, é claro, a participação de Fernando Torres como o pai de Helena, e de Lília Cabral como Ingrid, mãe de Íris. A sequência da morte de Ingrid, num posto de gasolina durante um assalto, é uma das mais tensas que já se viu em novelas. Outro destaque foi Giovanna Antonelli que despontou pra fama ao interpretar a garota de programa Capitu. Enfim, a novela era perfeita e eu passaria horas falando dela. Mas você certamente não tem paciência pra isso. Então...

Eu não acompanhei "Presença de Anita", minissérie que foi o trabalho seguinte de Maneco, embora ela tenha sido muito elogiada na época. O trabalho seguinte dele que vi foi "Mulheres Apaixonadas". Aqui Maneco levou seu realismo ao extremo: várias discussões acerca de temas cotidianos como alcoolismo, câncer de mama, homossexualidade, violência contra a mulher, ciúmes excessivos. Não abriu mão de sua Helena, dessa vez feita por Christiane Torloni, mas ela foi bem X aqui. Quem roubou a cena foi mesmo Giullia Gamm, como Heloísa, irmã de Helena, e fissurada pela figura do marido, Sérgio. Uma das performances mais intensas que já se presenciou na TV brasileira. Destaque também para Vera Holtz, como a professora alcóolatra Santana, Maria Padilha, como Hilda, a outra irmã de Helena, vítima de câncer de mama, Natália do Vale, como a fogosa Sílvia, que mantém um caso extraconjugal com um taxista, Helena Ranaldi como Raquel, a mulher espancada pelo namorado, Dan Stulbach como Marcos, o namorado violento de Raquel, Alinne Moraes, como a jovem lésbica Clara, Marcos Caruso, como Carlão, e Regiane Alves, como a malvada Dóris, que adorava maltratar os avós, um casal de velhinhos apaixonantes (de verdade!). A novela não tinha um tema central. Era meio que um monte de historinhas que juntava a vida de todos os personagens. Ouso dizer que foi uma novela sem protagonistas, onde cada ator colaborava com seu trabalho na mesma medida. Em tempo: essa novela está em cartaz atualmente no "Vale a pena ver de novo".

Daí veio "Páginas da Vida". Parecia uma novela fadada a dar certo, mas não foi o que aconteceu. Mesmo tratando de temas pertinentes como gravidez na adolescência e Síndrome de Down, a forma errada com que os personagens foram retratados minou a novela, bem como a interpretação fraquíssima de Regina Duarte. Na trama, Helena (Regina) adotava uma criança com Síndrome de Down rejeitada pela avó (Lília Cabral), após a morte da mãe. A partir daí começavam a pipocar os dramas e as consequências de tais atos. Pra mim, foi um trabalho que, se não comprometeu, não teve maiores repercussões. Destaco apenas os bons desempenhos de Lília Cabral como Marta (que já falei no post anterior) e de Marcos Caruso, como seu marido banana, Alex. E, claro, essa novela marcou a primeira parceria de Maneco com Jayme Monjardim, ainda tímida, apagada, sem grandes feitos.

Parceira que se afinou em "Maysa". Assim como falei anteriormente, aqui tudo se encaixa entre autor e diretor. Maneco deixa de lado as mazelas de querer ser realista ao extremo e se entrega com paixão à figura da cantora. Escreve um texto nada óbvio, lotado de flashbacks, de efeitos de narrativas interessantíssimos e, quem diria!, acaba por soar muito mais real e verdadeiro que em seus trabalhos anteriores. Todas as cenas de "Maysa" são de extremo brilhantismo, nenhuma está ali por acaso, gratuitamente. Todas ajudam a reconstruir a personalidade dessa figura tão deliciosamente sofredora. Atenção também para os primorosos diálogos, em especial os que Maysa trava com Ana e aqueles em que conversa com ela mesma. Há pelo menos uma frase inesquecível: "Quem disse que eu quero ser feliz? Felicidade é coisa de gente burra" (ou algo do tipo). Sabemos, na verdade, que isso é, em partes, mentira. Felicidade pode mesmo ser coisa de gente burra; mas Maysa queria sim ser feliz. Queria sim ser amada da forma como amava. Mas isso a gente fala no próximo post, só sobre ela (e sobre a estrela Larissa Maciel).

Para começar a falar de Maysa

2009-01-21T14:21:00.000-08:00

Todo mundo anda comentando "Maysa - Quando fala o coração" por aí e como eu assiti os 9 capítulos da minissérie e me apaixonei perdidamente achei muito justo dedicar a ela um post.

Um post não. Para ser sincero ainda não sei quantos posts essa minissérie vai render, mas tenho a impressão de que se falasse tudo o que quero em único post ele ficaria extremamente grande (o que significa aqui "ainda maior dos que eu geralmente posto"). Portanto resolvi começar a falar as coisas que quero e na ordem que quero e ir decidindo a forma como dividirei os assuntos espontaneamente. Se render dois posts, bom. Se render três, melhor. Quem sabe quatro ou mesmo cinco? Veremos.

Sou um pouco convencional e então obviamente que para começar eu vou falar sobre o diretor. Em primeiro lugar quero deixar bem claro que não tenho muita simpatia, nem admiração grande por Jayme Monjardim. Ele sempre me pareceu um diretor convencional de novelas, com um ou outro trabalho que, por vezes, impressionava por uma certa qualidade técnica. Mas nunca morri de amores, nunca me liguei muito no seu trabalho, nem nunca me importei em demasia com ele. "Maysa" fez Jayme crescer bastante no meu conceito.

Pela ordem que me lembro das coisas, vou citar os trabalhos de Jayme que acompanhei e que, acredito, posso opinar sem hesitação. Primeiramente, "O Clone". Novela de Glória Perez que, se eu não me engano, cobriu parte de 2001 e parte de 2002, e foi exibida no horário das 22h. Eu já tinha certa idade quando essa novela estreiou e mesmo não tendo a acompanhado inteiramente (até porque ninguém consegue fazer isso com uma novela) eu me lembro de alguns bons detalhes dela. De todos os momentos, eu destacaria duas cenas muito expressivas (ao menos pra mim): no primeiro capítulo, a Jade (Giovanna Antonelli) andando sozinha pela praia, uma perdida, excluída em meio a todo um mundo (imagine como se sente uma muçulmana, que é obrigada a cobrir-se, numa praia brasileira!), guardando para si até mesmo um certo ar de maluquez. Importante notar que, em um meio a uma multidão de biquínis minúsculos e coloridos, Jade usa um enorme maiô preto. É um contraste que Jayme utiliza com qualidade.

A outra cena a que me referi é também do primeiro capítulo: Jade, já no Marrocos, em meio a uma roda de mulheres, dançando com uma roupa de odalisca verde. E, enquanto Madame Antonelli mostra todo o remelexo de suas curvas, e a música árabe acontece ao fundo e a câmera vai acompanhando cada um de seus movimentos. Impressiona, até o momento em que Jade cruza com o olhar de Lucas (o tenebroso Murilo Benício). Aí, descanba para aquela música sentimentalóide que Marcus Vianna (eterno colaborador de Jayme) adora (Jayme também adora essa espécie de trilha). E, consequentemente, perde toda a graça.

O trabalho seguinte de Jayme que vi foi o filme "Olga". Quando vi as imagens na TV, com o trailer passando na Globo (claro...) fiquei realmente impressionado com a qualidade técnica que o filme parecia transmitir. E quando vi "Olga" tive algumas boas surpresas. A primeira é que comprovei que Jayme é realmente um bom diretor de elenco (com algumas exceções - vide o fiasco "América"). E a segunda é que Camila Morgado era realmente uma grande atriz. Eu fiquei muito perturbado com o retrato que ela deu para Olga Benáro, com a paixão que ela expressou em todo o seu trabalho de interpretação. Por vezes, acreditei mesmo que ela era alemã. E eis que, bem aí, surge a segunda qualidade de Jayme que é justamente saber como trabalhar com algumas figuras históricas (mesmo que, por vezes, romantize-as demais). É certo que o filme tem partes melodramáticas e novelescas totalmente desnecessárias (que, na certa, funcionariam mil vezes mais no formato minissérie), tais como a música "mela-cueca" que também acompanhava "O Clone" e toda aquela ladainha que o Jayme adora (e é de extremo mau gosto). De qualquer forma existe pelo menos uma cena em que eu me arrepiei: a cena em que, após decisão de Getúlio Vargas, Olga sai da prisão brasileira para voltar à Alemanha (sim, ela é deportada) e todas as mulheres encarceradas pegam suas canecas e começam a bater nas grades, em claro gesto de crítica à decisão do presidente e também de piedade para com a companheira. Pode parecer piegas, mas na hora foi comovente.

Após essa incursão pelo cinema, o trabalho seguinte de Jayme foi mais uma novela das 22h e novamente com Glória Perez. A parceria dessa vez não deu certo. Tanto que, para mim, os primeiros capítulos de "América" foram as piores coisas que Jayme já fez (pelo menos das que eu tive a oportunidade de ver): uma sucessão de cenas chatas, lentas, mal-feitas e mal interpretadas (aqui ele erra feio na direção de atores). E mal dirigidas. Jayme usou uma fotografia de extremo mau gosto e também deu um tom exagerado - beirando o caricatural - para a personagem de Deborah Secco. A briga entre Glória e ele fez com que Jayme logo largasse a novela. Em seu lugar entrou Marcos Schetchman, fazendo com que "América", enfim, deslanchasse. É um capítulo obscuro da carreira do diretor; melodrama de extremo mau gosto, nenhuma das cenas que Jayme dirigiu em "América" merece ser lembrada (a não ser que você se emocione com a "trágica" cena em que a boneca de porcelana da protagonista é quebrada por um funcionário da prefeitura, que tem ordens para demolir a casa onde a menina mora com a mãe).

O trabalho seguinte de Jayme foi em "Páginas da Vida", novela de Manoel Carlos, também da faixa das 22h. Se foi um trabalho que não comprometeu, também não alcançou nenhuma espécie de brilhantismo. À exceção da soberba interpretação de Lília Cabral (inclusive indicada ao Emmy de melhor atriz por seu desempenho) tudo em "Páginas" era sem vida e apagado. Se os personagens em si eram emblemáticos, cabia a um bom diretor fazer deles algo mais do que o texto de Maneco sugeria. Mas não foi isso que aconteceu. A direção foi fria, sem sal, piegas mesmo (convenhamos: era uma novela com Regina Duarte no papel central!). E Jayme, mais uma vez, jogou uma boa oportunidade no lixo (embora de forma mais honrosa do que no trabalho anterior).

Por fim, "Maysa". O segundo trabalho de Jayme ao lado de Manoel Carlos acerta em cheio. Filho da cantora com o empresário André Matarazzo, Jayme abraçou a difícil tarefa de lidar com uma personagem que influiu diretamente dentro de sua vida pessoal e profissional. Eu mesmo, quando soube, achei que ele faria um daqueles retratos exagerados, melodramáticos, bem do jeito que ele (quase) sempre realiza. Mas não. Com "Maysa", Jayme finalmente alcançou a maturidade. Da mesma forma que acontece quando outros diretores se voltam para projetos pessoais (tal como Spielberg em "A Lista de Schindler"), Jayme se dedicou de forma tão apaixonada à figura de Maysa, mas sem tentar transformá-la em heroína (até porque ele ninguém melhor que ele para sabre dos defeitos da mãe), que é impossível não se derreter, não se emocionar, não se apaixonar pela figura, pela personagem Maysa (mesmo sendo uma personagem real estamos diante de um trabalho ficcional, o que exige - quase sempre - a romantização maior de alguns detalhes). Nesse trabalho de 9 capítulos, há pelo menos duas cenas maravilhosas e que só poderiam vir de um diretor que sabe exatamente aquilo que faz: a cena do acidente de Maysa (exibida já no primeiro capítulo), magnífica, com a câmera acompanhando todos os carros da ponte Rio-Niterói até chegar e se fixar na Brasília azul dirigida pela cantora; e a cena em que, em um show na França, Maysa interpreta "Ne Me Quites Pas" com vestido vermelho, maquiagem carregada, trejeitos teatralmente dramáticos. É algo tão intenso, tão vivo que duvido muito que haja alguém que diga, de forma franca, não ter se emocionado e se sentido tocado no mínimo um pouquinho.

E se as cenas são assim, tão brilhantes, há de aclamar outras pessoas além de Jayme, como o estupendo elenco (Larissa Maciel é tão boa atriz que não pode ser desse mundo) e o texto de Maneco (baseado numa elogiada biografia da cantora que eu AINDA não li) que foge do óbvio ao evitar contar uma história certinha, retilínia. Maneco, aliás, tem créditos grandes aqui, e também em alguns de seus trabalhos anteriores. Fica aqui a deixa pro próximo post.

PS: Eu sei que Jayme tem muito mais trabalhos famosos (e elogiados) na TV, como a novela "Pantanal" e a minissérie "A Casa das Sete Mulheres", mas esses eu não acompanhei e, portanto, não posso julgar, nem mesmo avaliar.

PS II: Eu sei que não queria fazer um post grande, mas não consegui me conter.

A trilogia das cores - Parte 3

2009-01-18T19:33:00.000-08:00

Parece estranho observar como, na maioria das vezes, as coisas mais extraordinárias em nossas vidas acabam ocorrendo graças ao acaso, graças a uma feliz e inesperada coincidência. A felicidade, a verdadeira, talvez esteja em pequenos detalhes (uma conversa sincera, um filhote de cão, um olhar compreensivo) e, para encontrá-la, mesmo que momentaneamente, talvez devêssemos nos confrontar com as diferenças, com um mundo que por vezes temos medo de enxergar. Podemos, de certa forma, dizer que esse é um dos temas centrais de "A Fraternidade é Vermelha", último filme da trilogia das cores de Krzysztof Kieslowski.

O filme conta a história do envolvimento da modelo fotográfica Valentine (Irène Jacob, a protagonista de "A Vida Dupla de Veronique", também de Kieslowski) com um juiz aposentado (Jean-Louis Trintignant). O que liga a vida desses dois seres (dois solitários, cada um a seu modo) é, justamente, uma feliz (ou infeliz, dependendo do seu ponto de vista) coincidência: Valentine atropela a cachorra do Juiz uma noite, e após levá-la ao veterinário decide procurar seu verdadeiro dono. Assim, chega à casa desse velho. E (nesse caso) não é por coincidência que eles engatam uma estranha amizade. Ambos possuem coisas em comum, a começar por sua solidão, por sua espécie de "realidade paralela".A ligação entre esses dois personagens é, em princípio, justamente a cachorra, que até nome de gente tem, Silvia. Mais tarde, contudo, os próprios sentimentos falarão por si e Silvia será apenas mais uma coisa em comum na vida de Valentine e do juiz.

Como vive isolado do mundo, o Juiz apresenta apenas um passatempo diário, que consiste em ouvir as conversas telefônicas de seus vizinhos. A vida dele é tão vazia, que sua única escapatória da total solidão é mergulhar na vida dos outros, sentir na pele o drama e o dilema de cada um deles. A primeira sensação de Valentine ao se aperceber disso é nojo (ela ouve a conversa de um senhor casado que tem um romance com outro homem), nojo pela forma como o Juiz entra dentro da vida daquelas pessoas. Tanto que ela chega a ir a casa de um dos espionados com o intuito de contar acerca da invasão de privacidade mas, por fim, acaba desistindo. Posteriormente, o próprio Juiz se entregará à polícia, talvez mostrando que finalmente renunciou ao "faz-de-conta" pra se voltar novamente à vida real.

Valentine, por sua vez, apesar de jovem e bonita, não está longe de ter as mesmas características do Juiz. Tem um namorado, Michel (de quem só ouvimos a voz pelo telefone)viajando pela Inglaterra e mantém com ele uma série de interessantes conversas acerca do relacionamento, dos sentimentos, do amor, enfim. Também tem problemas com a família, em especial com o irmão mais jovem. Trabalha como modelo fotográfica, tem um carro e uma vida normal, mas isso não parece satisfazê-la. Talvez exatamente essa espécie de normalidade é que faça de Valentine uma figura tão sofrida. Sofrida e sensível. E é justamente essa sensibilidade que a deixará tão próxima do Juiz, a ponto de os dois se tornarem, ao longo da narrativa, uma espécie de dupla inseparável.

Paralelamente à essa história acompanhamos também a história de Auguste (Jean-Pierre Lorit), um estudante de direito que recentemente se tornou juiz. Ele tem uma namorada, que ama, mas esta o trairá durante a narrativa (coincidentemente, ela é uma das pessoas que são/foram espionadas pelo Juiz). Auguste e o Juiz tem trajetórias parecidíssimas e, em determinado momento, tudo leva a crer que ambos terão o mesmo fim. Mas não é bem assim no mundo do vermelho: se Valentine e o Juiz não podem ficar juntos (porque questões diversas os impedem), há outros caminhos que também podem ser seguidos. E se a fraternidade (portanto, também o amor e seus tantos derivados) é, de fato, vermelha nem tudo está perdido (atenção para o magnífico desfecho final, de uma sensibilidade que só Kieslowski transmite).

Aqui, como eu disse no post anterior, observamos o nascer, o despertar da paixão. E não só a paixão entre Valentine e o Juiz ou a paixão entre Valentine e Auguste (que aqui fica apenas subentendida), mas a paixão pela vida, pela constatação de se fazer parte de um todo, de ser uma pequena parcela de algo muito maior. E não é à toa que aqui tudo é vermelho (a fotografia, seguindo a linha dos filmes anteriores, coloca a cor-título em primeiro plano): tais sentimentos, tão humanos, tão profundos, tão belos, só podem vir de dentro, do interior que constitui cada um de nós. A cena final, então, arrebata qualquer um. É um desfecho magnífico, profundo e tocante, e nem um pouco piegas. É a obra máxima de um diretor que sabe exatamente aquilo que cada ser humano sente.

A trilogia das cores - Parte 2

2009-01-15T19:27:00.000-08:00

Blanc. Branco. Branco é vazio? É ausência de cor? Não. Como bem demonstrou Newton com seu famoso experimento o branco é a abundância de cores, é a junção das sete cores fundamentais, das setes cores que formam o arco-íris. Então, esperar que "A Igualdade é Branca" seja vazio, sem sal, sem élan, apagado, é pensar errado. O segundo filme da trilogia de Kieslowski usa essa cor (que, agora, me parece tão injustiçada na maioria das vezes) para falar da angústia que assola o fim de uma relação. Para falar sobre o momento exato da morte da paixão, e sobre o momento exato que nos deparamos, por fim, com o amor. E, se em "A Liberdade é Azul", tínhamos uma fotografia que privilegiava a cor-título, aqui as coisas não são diferentes: o ponto de partida é o branco, que aparece em todas cenas, algumas vezes contrastado com o vermelho. Destaque para os belos enfoques da neve de Varsóvia, que é responsável por cenas primorosas.

"A Igualdade é Branca" conta a história de Karol (Zbigniew Zamachowski, que já havia trabalho com o diretor em "O Decálogo"), um cabelereiro polonês morando em Paris que acaba de se divorciar de sua esposa, Dominique (Julie Delpy, a Celine de "Antes do Amanhecer" e "Antes do Pôr-do-sol"). O filme inicia com o casal em uma audiência num tribunal, onde Dominique requer a sua separação. O argumento que ela usa é de que o seu casamento jamais foi consumado; após ouvir tal afirmação o juiz, talvez atordoado, pergunta a Karol se isso é verdade (ele não fala francês fluentemente e precisa de ajuda pra entender) recebendo uma resposta afirmativa. No entanto, Karol diz que, antes de se casarem, ele sempre satisfez Dominique sexualmente e que tal fato não é oriundo por nenhuma espécie de impotência corporal e que ele pode sim manter relações sexuais normalmente. A partir daí já sabemos o que esperar do filme. Uma história de amor, vingança, superação, manipulação, traição e amor de novo. De novo porque, após a separação, Karol volta à Polônia disposto a enriquecer o bastante pra se vingar de Dominique e assim, alcançar e fazer florescer a sua noção de igualdade. Entretanto, a concepção que Karol faz de vingança e igualdade são muito particulares, como perceberemos com o decorrer da história, e, de certa forma, se complementam chegando mesmo a se transformarem na mesma coisa, na bela e tocante cena final.

A história é pode ser considerada trágica, mas nem por isso é privada de humor e de certa dose de ironia (bem naquele estilo que a gente encontra na maioria dos cineastas europeus). Com a conta bancária bloqueada e sem um centavinho no bolso, Karol acaba conseguindo voltar pra Polônia com a ajuda de Mikolaj (Janusz Gajos), um conterrâneo que ele conhece numa estação, logo após sua separação de Dominique. Os dois se encontram por um feliz acontecimento (Karol tem a mania de tocar canções polonesas num pente embrulhado em papel de seda; Mikolaj reconhece a canção e os dois começam um papo), e descobrem que ambos estão meio que descontentes com a vida que andam levando. Mikolaj vai ter papel fundamental na vida de Karol quando os dois estiverem na Polônia (mas isso eu não vou contar aqui), mas ali na França, ele o enfia em sua mala e faz com que ele viaje (e chegue vivo!) até a Polônia. Entretanto, e aí está a ironia, como a mala pesa muito, acaba por ser roubada por alguns malandros no aeroporto. Perguntado sobre o que havia em sua bagagem, Mikolaj pensa antes de responder: "Um homem", diz ele.

A partir daí, vamos acompanhar toda a saga de Karol e seremos cúmplices de seu plano, que ele vai realizando vagarosamente, mas com inegável sucesso. É engraçado ver o quanto ele ainda guarda amor por Dominique, mesmo ela tendo o humilhado, jogado pra fora de casa e zombado dele (há uma cena em que, logo após a separação, eles "quase" fazem sexo). E mais engraçado é perceber que ele faz isso tudo por amor, com o intuito de trazer Dominique de volta para sua vida, de fazê-la amá-lo novamente, ou talvez, pela primeira vez (porque o que existia antes e que se havia esvaído não era amor, mas sim paixão).

"A Igualdade é Branca" é considerado (sem trocadilhos) por muitos como o episódio mais apagado da trilogia das cores. Talvez em parte por que ele se difere bastante dos outros que são, indiscutivelmente, mais tristes e crus. Ainda assim é um grande filme, trabalho de um diretor consciente (premiado com o Urso de Prata de Berlim) e de um elenco afinado, em especial Zamachowski, que encanta, conquista e apaixona a cada pequeno gesto. Julie, por sua vez está ainda mais encantadora do que nunca. E ainda por cima, falando um francês que transborda sensualidade (até hoje não consigui entender direito o encanto que ela exerce sobre mim).

"A Igualdade é Branca", falando sobre a morte da paixão, faz-nos pensar em como seria, por sua vez, o surgimento dela, como ela de fato entraria em nossas vidas, corpos e mentes. A resposta está no último episódio, "A Fraternidade é Vermelha", um filme intenso, triste e muito, muito bonito.

A trilogia das cores - Parte 1

2009-01-13T19:12:00.000-08:00

Se eu falasse da trilogia das cores em um único post creio que ele ficaria ilegível. Não por questões ortográficas ou pela forma de escrever, mas sim pelo fato de que ele ficaria tão enorme que nem mesmo eu teria coragem de lê-lo para fazer a revisão antes da definitiva postagem. Por isso eu decidi dividir os comentários acerca da trilogia em três posts, um correspondente a cada filme. Obviamente no primeiro entrarão algo mais além de comentários sobre o filme em questão, unicamente porque algumas informações se fazem necessárias para a compreensão exata do que essa trilogia, de fato, quer representar e representa.A trilogia das cores é dirigida pelo polonês Krzysztof Kieslowski, diretor premiado mundialmente graças ao sucesso da minissérie "O Decálogo" (que teve, posteriormente, episódios ampliados e transformados em filmes: os premiados "Não Amarás" e "Não Matarás") e de filmes como "A Vida Dupla de Veronique". Os filmes desta trilogia são baseados nas cores da bandeira da França, que representam, cada uma, uma das três palavras que compunham o slogan da Revolução Francesa. Kieslowski representa as palavras "liberdade", "igualdade" e "fraternidade" correspondendo-as com uma respectiva cor da bandeira francesa. É muito interessante atentar, durante os três filmes, a visão pessoal de Kieslowski acerca das três palavras e a forma psicológica como cada uma delas é apresentada pelo diretor.
O primeiro filme da trilogia das cores é "A Liberdade é Azul", realizado pelo diretor em 1993. Estrelado por Juliette Binoche, é o filme mais festejado dos três, tanto pela crítica quanto pelo público. E merecidamente, diga-se de passagem. "A Liberdade é Azul" conta a história de Julie, uma modelo que perde o marido e a filha num acidente de carro (o acidente é retratado já na primeira cena do filme). As sensações da personagem, a forma como ela vai lidar com essa perda (o marido era um famoso compositor clássico) é que são o foco central do filme.
Após sair do hospital (e também após uma fracassada tentativa de suicídio), Julie decide recomeçar a sua vida, dar um giro: vende a casa em que vivia com o marido, dispensa os empregados (não sem antes providenciar para que eles não passem necessidades) e vai viver sozinha num apartamento, longe de tudo e de todos. Decide, portanto, renunciar à vida, ao mundo, às pessoas. E embarca de cabeça num mundo de solidão, vivendo sozinha e solidária, sem se relacionar com ninguém a princípio (posteriormente faz amizade com uma prostituta vizinha) e vivendo apenas em função de si. Até que começa a se interessar por uma obra inacabada deixada por seu marido, e decide terminá-la.
Claro que a história toda não é só isso. Eu resumi acima os momentos que achei que não estragam a surpresa e a delícia de se assistir ao filme. O interessante é notar a sensação de liberdade que assola a protagonista. Mesmo passando pela dor, há de se notar que Julie se maravilha com a liberdade intensa que enfim toma conta dela. A solidão, a tristeza, o isolamento, tudo é a forma de se alcançar (no caso dela, talvez pela primeira vez) as rédeas da vida, a sensação de controle sobre aquilo que fazemos, e mais importante ainda, por aquilo que somos. A partir do momento em que Julie aceita o desafio de terminar por si a obra que o marido deixou inacabada, a liberdade atinge seu ápice: ela finalmente se vê e se projeta para além dos sentimentos que a sufocam e a impedem de fazer as coisas. Quando termina a música, Julie dá também seu passo definitivo na busca por si mesma: finalmente, ela encara a realidade de frente, como ela é, e não como ela deveria ser (tema, aliás, tratado também no excelente "O Sol de Cada Manhã", com Nicolas Cage).
Todo o clima de "A Liberdade é Azul" é triste, melancólico, por vezes até angustiante. Mas não acredito que alguém possa dizer que não saiu do filme aliviado, realizado e mesmo contente quando este termina e aparecem os créditos finais. É triste, é sombrio, mas ao mesmo tempo é humano, tem vida, respira. E essa percepção é um banho de jovialidade e de (rá!) liberdade para todos os expectadores.
Atentem para a predominância do azul na fotografia, e também em algumas cenas-chave como aquela em que um bando de crianças invade a piscina e as três cores (azul, branco, vermelho) aparecem simultaneamente. Outro ponto forte do filme, além da magnífica direção e da linda fotografia, é o desempenho dos atores, em especial de Juliette Binoche (indicada ao Globo de Ouro de Melhor Atriz - Drama) que consegue, sem recorrer a excessos, demonstrar a exata tristeza e o desespero da personagem.
Também é interessante notar como Kieslowski une os três filmes. Em "A Liberdade é Azul", temos uma cena em que Julie tenta entrar em uma sala onde ocorre um julgamento, e é impedida; essa cena reaparece no filme seguinte da trilogia, já que nesse tribunal se realiza a sessão de separação do casal de protagonistas de "A Igualdade é Branca". Mas isso é tema pro próximo post.

Assassinos por natureza

2009-01-09T03:33:00.000-08:00

Há tempos estava ensaiando na locadora para pegar O Assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford, mas sempre iam aparecendo aqueles filmes que eu me interessava mais, o que significava que eu sempre pegava esse filme na mão e depois acabava devolvendo, pensando que o veria na próxima vez. Bem, essa lenga-lenga acabou nessa quarta-feira, dia 7, quando eu enfim peguei o filme na mão e decidi levá-lo pra casa.

E vou dizer uma coisa: é dos filmes mais interessantes e bem realizados que eu vi nos últimos tempos. Não vou dizer que O Assassinato é um filme fácil, porque não é. Tem Brad Pitt no elenco, claro, mas passa longe do cinema puramente comercial que ele realiza quase sempre. O Assassinato é um western, de ritmo lento, que vai correndo suavamente sem nenhuma pretensão de ser um filme excessivamente eletrizante ou mesmo de invocar situações de falso suspense. As cenas críveis são sempre acompanhadas por uma câmera perfeita e tomadas sensacionais, complementadas pela extraordinária trilha musical, da autoria do mestre Nick Cave. Repare como as melodias suaves ajudam a contar a história e casam perfeitamente com as cenas e com as ações das personagens.

A história cobre parte da vida do famoso bandido Jesse James, começando de seu envolvimentos com o jovem de 19 anos Bob Ford (Casey Affleck, numa interpretação surpreendente). Bob é simplesmente um fã apaixonado por Jesse, e com o passar do filme vamos percebendo que esse amor vai crescendo, até chegar a um limite intolerável. Pode-se dizer que a morte de Jesse James ocorre no momento em que Bob Ford não consegue mais lidar com seu amor, porque graças a ele (ao amor) é ridicularizado pelos amigos e pela família, e também porque, apesar de tudo, ele não consegue penetrar o coração e a confiança de Jesse, sempre sendo deixado de lado, como o menino bobo e sonhador que cresceu idolatrando um bandido que a cultura americana foi, lentamente, transformando quase em um herói, uma espécie de Robin Wood.

O Assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford é dirigido pelo noezelandês Andrew Dominik, que antes desse só tinha dirigido, em 2000, um filme chamado Chopper com o, hoje galã, Eric Bana no elenco. Se estivéssemos frente a outro diretor poderíamos ter aqui uma história maniqueísta, falsa e enfadonha mas Dominik não é um moralista e seu cinema se limita a contar os fatos (aqui narrados por alguém que não sabemos quem, e que, portanto, pode ser todo mundo), sem nunca julgar ou mostrar uma das partes como certas ou erradas. Até porque aqui não há certo nem errado. Há um mundo sem leis, mas guiado pela honra. E é justamente essa honra que será "deixada" de lado, de certa forma, por Robert Ford.

É impossível não enxergar nas entrelinhas do filme um comportamento homoerótico por parte de Jesse James e Bob Ford. Há pelo menos duas cenas que plantam essa sementinha em nossa mente: uma logo no início, quando Bob assiste Jesse se lavar em uma banheira, e outra, já caminhando para seu desfecho, quando Jesse chama Bob para si, faz-lhe massagem nos ombros carinhosamente para, no fim, ameaçá-lo (de brincadeira?) com uma faca. É mais uma das coisas que Dominik coloca propositalmente no roteiro pra gente queimar os miolos pensando.

E, ao desfecho final, as verdadeiras coisas começam a aparecer. E também a explicação para o título. Mesmo quando o narrador começa a dizer que, em seu pós-morte, Bob Ford não despertou nenhuma espécie de comoção nas pessoas (pelo contrário, elas de fato devem ter se sentido aliviadas), ele não nos leva a acreditar que o termo "covarde", destinado a ele, Bob, venha por ter unicamente assassinado Jesse. Não. Robert Ford é covarde porque, depois de matar Jesse James, ficar famoso e rico e ser desprezado por todo o público americano (não vou contar tudo porque estraga certa parte do charme do filme), ele nunca chegou a admitiu que, de fato, sentia falta de Jesse James, e que sua vida sem ele não tinha o menor sentido. Sem James, Bob não tinha mais ninguém pra adorar, ninguém mais pra tentar impressionar, ninguém mais para amar. Quando morre Jesse James, morre também Robert Ford. E não há tragédia maior para um homem que morrer e continuar a respirar.

Listinha dos "mais, mais" 2008

2009-01-08T14:11:00.000-08:00

Sei que já se passaram longos 8 dias desde a chegada do ano novo, mas creio que ainda não seja tarde demais para eu fazer a minha listinha das coisinhas mais interessantes que eu vi, li e ouvi em 2008. Por mais desbundada que pareça ser esse tipo de coisa, creio que se tornou uma espécie de ritual que a maioria das pessoas acabam seguindo, como uma coisa que você tem que fazer, gostando ou não. Quase como uma espécie de trabalho sujo. Enfim, lá vamos nós.

10 filmes imperdíveis que vi em 2008:

- Desejo e Reparação (é poesia pura, com uma das mais lindas fotografias que já vi e uma estrondosa direção de arte)

- Sangue Negro (forte, por vezes até mesmo repulsivo, mas com um Daniel Day-Lewis em seu melhor estilo, contando uma história que não tem medo de ser desagradável)

- Violência Gratuita (um filme intrigante, atual e fortíssimo, do mestre Michael Haneke - farei em breve um post só sobre ele)

- Vivendo e Aprendendo (o título original, Smart People, diz muito mais sobre esse filme que o horroroso nome em português. Um drama familiar simples, gostoso de ver, e com a presença sempre cativante de Ellen Page)

- Uma Rua Chamada Pecado (clássico de Elia Kazan com Marlon Brando e Vivien Leigh, simplesmente explosivo, uma delícia rara para quem aprecia bom cinema)

- Pavor Nos Bastidores (pequeno clássico de Hitchcock, um filme de fato assustador, delicioso em cada uma de suas cenas e com um brilhante e imprevisível roteiro)

- O Bebê de Rosemary (do gênio Polanksi, com uma Mia Farrow deliciosamente frágil. A cena final é uma das mais assustadoras e chocantes que se pode imaginar)

- A trilogia das cores, de Krzysztof Kieslowski (A Liberdade é Azul, A Igualdade é Branca, A Fraternidade é Vermelha - três filmes que emocionam e marcam e que devem ganhar também um post só pra eles)

8 livros que me fizeram pensar em 2008:

- A Escolha de Sofia, de William Styron (embora tenha umas coisas desnecessárias bem no finalzinho, é um grande livro, uma tragédia hedionda, e tem Nathan, um dos personagens mais emblemáticos e interessantes entre os muitos que já me deparei)

- O Retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde (um dos romances mais ambíguos, no sentido sexual e psicológico, que já tive a oportunidade de ler, com uma belíssima construção narrativa, transbordante de poesia)

- Essa Doce Obsessão, de Patricia Highsmith (finalmente um policial que tem algo mais a acrescentar além de falso suspense e convencionalidades)

- O Amor nos Tempos do Cólera, de Gabriel García Marquez (simplesmente lindo, uma aula de literatura sem nunca resvalar na pieguice ou na monotonia)

- Os Mandarins, de Simone de Beauvoir (uma obra-prima, simplesmente)

- Noite, de Erico Veríssimo (um mergulho no submundo noturno de uma cidade grande, e também nas entranhas do sofrimento e do desespero humano)

- A Noiva Estava de Preto, de Cornell Woolrich (do mesmo escritor de Janela Indiscreta, de Hitchcock, vêm uma história densa de amor, vingança e suspense de primeira)

- Orgulho e Preconceito, de Jane Austen (um livro esssencial pra quem se interessa por literatura inglesa)

O pouco que eu ouvi em 2008

Quanto à música, devo dizer que não conheci nada realmente novo que me interessasse. Tive, como descrevi antes um conhecimento mais aprofundado pela maravilhosa obra dos Carpenters e também de Maysa (que, enfim, está quase pra adentrar para meu rol de musas inspiradoras). Afora isso, ando recomendo Roberta Sá (toda e qualquer música), The Sundays (uma banda do comecinho dos 90, que tem um som parecido com The Smiths) e um ao vivo da Marisa Monte, Universo ao Meu Redor.

Esperemos que em 2009 eu me atente mais à música, já que ao menos um grande estímulo vem por aí: Tonight, o aguardado terceiro álbum dessa maravilha de banda chamada Franz Ferdinand.

E que esse nosso ano me traga coisas tão interressantes quanto o de 2008. Seja feita a nossa vontade.

Os irmãos carpinteiros

2008-12-24T02:57:00.000-08:00

A maioria dos meus amigos se orgulha de conhecer as mais novas e modernas bandas e, vez por outra, eles acabam me recomendando uma, que eu procuro guardar o nome, mas sempre acabo esquecendo. É uma coisa que eu simplesmente não consigo consertar em mim. Me prometo baixar coisas de determinadas bandas, como Architecture in Helsinki (que até hoje eu conheço apenas um pedaço de música), e acabo nunca cumprindo. Sinceramente, eu acho que tenho uma grande preguiça de me voltar a essas bandas novas, em grande parte porque toda essa tecnologia da internet faz com que eu me perca com nomes, sons, imagem, e aí fico estressado. Então pra evitar o strees nada melhor que esquecer essas bandas novas, que na maioria das vezes eu tenho a impressão de já ter ouvido (já reparou como a maioria lembra SEMPRE The Killers e Franz Ferdinand?), e me voltar para os artistas do passado, porque no fundo eu sou sim um tremendo saudosista e, apesar de não ter a comunidade "Nasci na época errada" no orkut (em parte porque eu não acho sempre isso. Penso que há tantas coisas boas que eu só poderia ter conhecido nascendo nesse momento...), a maioria dos meus ídolos se concentra no passado, como Madonna, Bowie, Monroe, Grace Kelly e, sim!, os Carpenters.

Todo mundo já deve ter ouvido o grande clássico dos Carpenters, "Please Mr. Postman", mas aposto que poucos conhecem o duo mais a fundo. No auge dos anos 70, em que a moda eram as drogas, o rock e o sexo desenfreado com toda e qualquer criatura que respirasse, os Carpenters eram formados por dois irmãos, Karen e Richard, e representavam com firmeza e bravura a bandeira da candura setentista, também defendida por Carly Simon e The Mamas and The Papas, entre outros artistas. Tudo nos Carpenters era "fofo": desde o visual (a exploração da boa relação entre os dois irmãos e do sentimento fraternal que os unia) até as próprias músicas, que se pautavam basicamente em melodias delicadas e singelas, na maioria das vezes compostas pelo próprio Richard, para combinar fielmente com a linda voz de Karen.

Os Carpenters deixaram um material esplendoroso e que vale muito a pena ser conhecido. Além de "Please Mr. Postman", que possui um dos clipes mais deliciosos de se ver de todos os tempos, eu destacaria ainda músicas como "All Of My Life", "Only Yesterday", "There's a Kind Of Rush", além de uma curiosa versão de "Don't Cry For Me Argentina", da trilha sonora do musical da Brodway "Evita", levado às telas em 1995 pelo cineasta Alan Parker (com um resultado bem fraco, diga-se de passagem). Mas não importa aqui citar as minhas favoritas. O que importa é que os Carpenters, nos últimos tempos, se transformaram na minha mais nova banda favorita e eu os tenho ouvido compulsivamente. Especialmente em tempo de Natal, quando o nosso coração se amolece, enche de amor e transborda pieguice, ouvir Carpenters é um prazer ao qual devemos nos render.

No entanto, mesmo com toda essa aparência de "paz, amor e fraternidade" nem tudo nos Carpenters eram flores. Karen sofria de anorexia por conta de dietas excessivas e, volta e meia, era internada. Ela lutou anos para se livrar da doença, chegando nos anos 80 a se tratar com um famoso psicoterapeuta de Nova York. Recuperou-se, mas engordou cinco quilos tão rapidamente que seu coração, debilitado pelo uso de um certo xarope que induzia ao vômito, não aguentou e sua morte foi decretada quando ela contava apenas 32 anos.

Pois é. É triste falar disso um dia antes do Natal, mas a imagem que deve ficar dos Carpenters é do clipe de "Please Mr. Postman" (que eu fiz questão de postar logo abaixo) e não a que passei nesse último parágrafo. Até por que, no fim das contas, houve algum gênio na história da arte que não tivesse por detrás de si alguma espécie de distúrbio? Os Carpenters, como autênticos representantes da música nos 70, não podiam ser diferentes.

Dedico essa postagem à Karen que, se estivesse viva hoje, contaria exatos 58 anos.

Feliz Natal a todos e que a doçura e os sentimentos cândidos abundem em nossos corações!

E meu presente de Natal a todos:

http://br.youtube.com/watch?v=KItFpClyqOs

Do título

2008-12-23T14:55:00.000-08:00

Achei conveniente, antes de tudo, explicar o porquê do título desse blog, antes de ser acusado de fã dos sertanejos Leandro e Leonardo pelos desinformados de plantão. O fato é que não sei se me acharão antiquado ou mesmo saudosista, mesmo que o saudosismo se aplique aqui a uma época que, de fato, eu não vivi.

O título "Tapas e Beijos" vem em homenagem a uma coluna da antiga revista BIZZ, que tinha esse exato nome e era assinada pelo fantástico e saudoso André Forastieri. O André, era para alguns apenas o típico crítico implicante que só queria mesmo falar mal de bandas e artistas então manjados e no ápice do sucesso (tais como Guns e os Engenheiros do Hawai) para causar polêmicas e chamar a atenção do público. Mas no fundo, de fato, o André era um dos críticos mais legais que eu já tive a oportunidade de ler: ácido, irônico, sarcástico. Criticava sem medo, com inteligência e maestria, sem esquecer de elogiar os artistas que na visão dele mereciam ser exaltados. Tinha um gosto e uma cultura musical invejáveis. Me lembro de um artigo comovente dele em uma Discoteca Básica (uma sessão da BIZZ em que eram debatidos álbuns considerados clássicos) sobre o "Rocket to Russia" dos Ramones. Uma aula de como se fazer jornalismo musical.

Os tempos em que André trabalhou na BIZZ foram os tempos áureos dessa que, talvez, tenha sido a melhor revista sobre o universo pop no Brasil. Depois que ele saiu, a BIZZ foi vagorasamente se tornando chata até atingir um ápice gritante. Me lembro de ter em casa uma edição de 1993, que trazia na capa a cobertura da estréia da turnê "The Girlie Show", da Madonna. Essa edição já era bastante inferior a dos anos anteriores. Fora a matéria de capa (assinada pela sempre competente Anamaria G. de Lemos) todo o resto da revista era insosso e sem graça, inclusive o visual e o design gráfico que, na tentativa de flertar com o moderno, só fazia coisas majadas, desnecessárias e feias.

Ler BIZZ foi importante para mim porque significou o primeiro passo para descobrir artistas que até então eu nunca tinha ouvido falar: David Bowie, Lisa Stansfield, Sugarcubes, Sundays, Charlatans, Lou Reed, enfim uma infinidade de coisas boas, que sem essa revista eu talvez demorasse muito mais tempo pra descobrir.

A BIZZ foi o início da meu interesse por música e pelo universo do pop. E nada mais próprio para designar meu blog do que uma homenagem à uma grande revista e a um grande crítico. Espero sinceramente que o meu "Tapas e Beijos" seja ao menos digno da sua coluna inspiradora e também digno de ser em parte inspirado por um cara tão inteligente e admirável como o André Forastieri. Tentarei, humildemente, corresponder a essas expectativas.

Em tempo: a última edição da BIZZ data de julho de 2007. Uma ótima dica pra quem se interessar é dar uma olhada pelo site da revista que tem muita coisa boa e interessante que merece ser lida.